Contra el espanto

Así eras, una ternura,
sí, con apellido.
Como todo lo que sufre y crea.
Pero no, no tenías/tenés permiso para sufrir.
¿Y qué?
(aquí empezó a dolerles el huesito).
Posiblemente existas de ese modo, pálido, flaco.
Ya que no quiero que tu piel se marchite,
que tu risa caiga a pedazos,
que tu sangre se hunda para siempre.
¡No! Y como duele...
¿Quién se ha muerto? ¡Mentira!
Y me detengo.
Déjame un poco de este maldito gozo.

Feliz, solitario y final

Las últimas producciones del año, algunas de los cuales están acá cerca publicadas bajo la etiqueta "novela", persiguieron el mayor grado de independencia que pudiera lograrse en el comentario literario a través de la resignificación del trabajo del año.

En el primer trimestre, se había aprendido a elaborar una hipótesis de lectura personal y defenderla con un recorrido propio sobre el texto y algunas pocas herramientas de análisis más formal, muy acotadas, que -claro- fueron señaladas y elegidas por mí, como aquel capital técnico del que podrían disponer. En el segundo trimetre se incorporó, por el contrario, una exigencia mayor en la aplicación de instrumentos teóricos como filtro de la lectura y en su descripción: lo que se elegía era un modo de leer esa teoría, unos segmentos más significativos. Si bien el marco general fue aportado por mí, a través de bibliografía original aportada, l@s alumn@s seleccionaron los conceptos que les eran más significativos y aportaron sus propias fuentes.

En este tramo de cierre, por fin, trabajamos con una lectura extensa, una novela que cada alumno/a eligió dentro de una propuesta muy diversa. La novela se leyó en casa, aunque se comentaron en clase los motivos que iban guiando la elección. Mientras esta lectura sucedía "en soledad", en clase se analizaron cuentos que iban presentando los problemas que la ruptura en la narrativa del siglo XX había presentado a los modelos descriptivos de la narratología (ya conocidos por l@s alumn@s de sus estudios durante el ciclo básico) y obligado a la imaginación de unos nuevos.

El trabajo con estos relatos breves pretendió no "demostrar" la pertinencia de los nuevos marcos teóricos sino plantear problemas que no eran de fácil resolución por la pura y simple aplicación de categorías descriptivas. "Viaje a la semilla" de Alejo Carpentier para pensar el tema del tiempo, que no puede explicarse en este relato suscintamente como una retrospección. "Pierre Menard: autor del Quijote" de Jorge Luis Borges, para pensar el problema de la ficción, ya no referido exclusivamente al "contenido" de las obras, sino también a su construcción discursiva. Relatos breves de Julio Cortázar que pusieron en primer plano la cuestión de la voz y la focalización (puntos de vista en la narración que no pueden describirse de una sola vez para todo el relato, como el de "Cortísimo metraje") y la presentación del concepto de "obra abierta" (habíamos ya leído "El lector modelo" de Lector in fabula de Umberto Eco) y la comprensión -legitimación- de la posición de lector que supone.

La primera producción sobre la novela fue realizada al calor de su lectura y consistió en un diario personal para mantener registro más inmediato de ese proceso. Luego, en clase, se compartieron, por medio de estos "documentos de lectura", las impresiones iniciales, con l@s compañer@s que habían leído diferentes novelas. Este contraste permitía encontrar lo particular de la propia elección (cada alumno/a decidió que nivel formal había sido más significativo en su lectura, qué le convenía analizar para dar mejor cuenta de su mirada sobre el texto). Más tarde, se hizo lo mismo entre quienes habían leído la misma obra, para identificar lo propio de la interpretación, los sentidos más personales.

Esto permitió identificar, en el primer caso, las características formales que distinguían de otras a la obra leída y en el segundo, el modo de leer esas marcas diferente en cada uno/a de l@s lectores. De cada una de estas instancias resultaban unas notas. Por el montaje de ellas, como en la edición de un film, se buscó -y casi siempre se encontró- una escritura que expusiera las conclusiones de ese recorrido investigativo. Más ajustadas a lo formal unas, más personales otras, todas ellas son los modos de capitalizar de manera integral un año de trabajo.

un vicio escaparse así de la realidad

El beso de la mujer araña, de Manuel Puig, es una novela que trata por sobre todas las cosas la Libertad, llevándola a planos reales. Dos hombres encarcelados, uno Molina, un homosexual afeminado fijado en un papel de mujer sometida (este personaje iba a ser una mujer, pero como no encontró a ninguna que encajara en el modelo de dominada, nació el homosexual) y el otro Valentín un luchador social (este personaje lo fue formando con entrevistas que tuvo Puig con ex presos políticos liberados por el gobierno de Cámpora). Lo interesante entre estos personajes es que los dos encarnan maneras diversas de oponerse a la sociedad y que a comienzos de los setenta eran voces que no podían dialogar en la realidad, como lo demostraron los intentos de la Comunidad Homosexual Argentina por integrarse a las luchas sociales y ser reconocidos en su especificidad.

Zip It
Cargado originalmente por Rachel.::.K

Esta historia provoca una serie de reflexiones que ponen de manifiesto el sólido sustrato ético

sobre el que se funda esta novela. Aspectos como la identificación con el sometido, la validez del sacrificio por causas justas, las posibilidades de cambio en el individuo hacia un hombre más integral, la denuncia de la arbitrariedad propia de las políticas totalitarias, la solidaridad, el intercambio mediante el diálogo, llevan hacia una dimensión humanista a la obra de Puig.

Dentro de la novela se ven claras elipsis, el autor decide qué contar y qué no, es muy fácil detectarlas, o en los capítulos: empiezan en medio de una conversación sin introducción alguna, en una absorción de géneros discursivos. Hay otros momentos en los que la elipsis está especialmente marcada, cuando dejan una conversación o se van a dormir, son como sub capítulos dentro de los capítulos. En cuanto a puntos de vistas, es bastante difícil seguir el hilo en muchos momentos, ir caracterizando a cada personaje a medida que hablan; como ya dije no hay ningún tipo de introducción, por esto es necesario estar muy atento y activo en la lectura, si no, se comienza a notar una cierta distancia. En el beso de la mujer araña está representada la aspiración a la libertad por medio de la homosexualidad y la lucha social.

La araña está atrapada entre las telas, me parece que esta es una frase que puede resumir la novela. La situación de los dos personajes, dentro de una cárcel, los dos tratando de sobrevivir, que Molina primero traicione a su compañero y después quede enamorado de él y lo quiera ayudar, que para hacer esto no existe marcha atrás porque una vez que se prestó como espía de la policía no pudo revertirlo y al salir de la cárcel no fue capaz de cumplir con la misión que su compañero Valentín le había pedido que haga. Y la situación de Valentín, totalmente engañado. Confesó cosas que no debía confesar, le surgieron sentimientos que nunca se hubieran pasado por la cabeza si no fuera por Molina, pidió ayuda, habló, lloró, sintió, y tuvo sexo con un hombre , un hombre que lo cambió, que logró que la sensibilidad le surja. Los dos atrapados, sin salidas, los dos mueren, a Molina lo matan, y a Valentín lo torturan. Los dos buscan la libertad, física y espiritual.

“Valentin:-puede ser un vicio escaparse así de la realidad, es como una droga. Porque escúchame, tu realidad, tu realidad, no es solamente esta celda. Si estás leyendo algo, ya trascendés la celda ¿entendés?”

A lo largo de mi lectura pensé siempre en esto. En que uno trasciende las paredes de su cuarto, en vez de estar en una plaza leyendo, te convertís en un camarógrafo y vivís en la cárcel con un puto y un discutidor. Y ves todo lo que les pasa y te imaginás todo lo que no cuentan y lo que se cuentan también. Que leyendo esta novela me emocioné, escuché a Molina, escuché a Valentín, me sentí decepcionada, lloré, reí, aprendí, y reescribí esta historia.

Milena Tarica

ningún molde

El libro Operación masacre se caracteriza básicamente por ser un relato de un hecho de la dictadura (de la Revolución Libertadora) representado en una obra artística. El autor Rodolfo Walsh fue de allí en más un comprometido con los movimientos revolucionarios. Nos escribe en su libro sobre un grupo pequeño de militantes dentro de un grupo mayor que va a ser agarrado por la policía, en el que eran más los que no tenían idea de por qué los agarraban que de los que tenían las ideas políticas más definidas.

Operación masacre nos cuenta la historia de un grupo de personas que se juntaron a escuchar una pelea de box, aunque en realidad solo algunos iban con ese objetivo. Walsh nos describe brevemente la vida de muchos de los personajes, nos cuenta cuáles fueron los recorridos para llegar hasta esa casa donde después comenzaría la masacre.

Esta historia real, "no ficción" como nos dice en la contratapa del libro, está situada en el contexto histórico de la Revolución Libertadora. Luego de destruir al gobierno de Perón el gobierno de facto sufrió algunos levantamientos pero estos fueron reprimidos fácil e ilegalmente por los militares. Es en ocasión de uno de estos cuando un grupo de personas, que solo tenían como intención juntarse entre amigos a escuchar una pelea de box, se ve comprometido en lo que luego Walsh iba a llamar la OPERACIÓN MASACRE. Hubo otros peonajes que sí tenían más idea de lo que iba a pasar políticamente esa noche, que habían querido ser parte del levantamiento y que querían reclutar más gente pero, como en un momento dice en el libro, el anfitrión "no los pensaba echar de la casa". Es raro pensar que solo por un partido de boxeo haya quedado gente involucrada pero así fue.

El escritor comparte con nosotros la acción de acompañar los problemas de los personajes incluyéndonos en el relato. Una de las cosas que me llamó la atención es su protagonismo, que a pesar de no ser un personaje de la historia, se hace tal, se lo percibe como un protagonista más ya que sabemos la importancia de su trabajo, y que al haber estado tan cerca de los hechos le cambie su vida.

Es complicado interpretar algunas cosas de libro ya que no es una historia real escrita como ficción, está escrita de una forma única, no creo que se ajuste a ningún molde.Nos enuncia los hechos en forma de historia, contando paso a paso lo que los personajes hicieron, a veces el por qué lo hicieron y a veces anticipando que van a sufrir consecuencias por ello. Describe las acciones con un alto nivel de detalles, propios de una persona que está inventando, pero no es el caso él. No se da mucho lugar para los diálogos de los personajes, ya que al estar escribiendo sobre una investigación de algo que pasó en la realidad no tiene intención de inventar diálogos, solo transcribe los importantes que son los que pudo averiguar. Y por otro lado es muy común encontrar los comentarios de Walsh, las sensaciones que él expresa: hace percibir su sensibilidad cuando escribía el libro, o cuando le contaban lo sucedido.

Lo relaciono con televisión por la identidad porque en ambos casos se presentan hechos de la dictadura en forma de ficción pero con testimonios reales. Obviamente que en televisión por la identidad se inventaban más los diálogos, ya que en televisión no se puede omitir cosas como en la literatura.

La conclusión personal que saco es que tanto las canciones como los libros o las películas pueden ser un gran elemento para transmitir a las nuevas generaciones parte de nuestra historia que no debemos olvidar. Siempre hay gente valiente que intentará pelear por los derechos de la sociedad y yo creo que debemos aprender a juntar fuerzas para luchar en conjunto por el bien común. También lo que rescato que nos enseña Walsh es que se puede de una investigación de detective crear un gran libro, o artículos (en otro momento) que repercutan con tanta fuerza en la gente.

Matías Lerer

Llegar a perro

Los Cachorros de Mario Vargas Llosa trata de la historia de un chico de apellido Cuéllar, desde que entra al Colegio Champagnat, cuando es un niño, hasta que muere adulto. Lo extraño es que cuando es niño se portaba más como un adulto y de adulto se portaba más como niño.

Esto le pasó por un accidente que tuvo, que marcó un cambio enorme en su vida. Fue atacado por un perro en sus partes íntimas. Este hecho hizo que Cuéllar cambiara su forma de hacer las cosas, sus intereses, sus pensamientos. Cambió su vida, a partir del accidente.

De niño, Cuéllar era un chico estudioso, formal, ayudaba a los amigos en la escuela, y luego del accidente, lo empiezan a llamar “Pichulita”, que significa algo así como maricón en la jerga de los jóvenes de Perú, y de pasar de gustarle el estudio y el football, le empiezan a gustar las chicas, y la escuela no le es más importante. Pasan los años, y a través del tiempo Cuellar va empeorando mientras crece. Su problema más serio es que Cuellar (de ahora en más, voy a llamarlo Pichulita) no puede conseguirse una novia, o siquiera darle un beso a alguna chica, eso es lo que más lo trastorna. Cuando le preguntan qué le pasa, o lo tratan de ayudar, Pichulita cambia de tema bruscamente, trata de evadir la situación, o se enfada. Otras cosas que él hace son locuras solo para llamar la atención, típico de un nene chiquito.

¿Por qué se llama Los Cachorros? Lo que a uno primero se le viene a la mente es que Pichulita tiene su grupo de amigos, que son Choto, Chingolo, Mañuco y Lalo, y todos crecen juntos, de niños como unos cachorritos, pero después uno se va dando cuenta de que, si tomamos “Cachorros” como Cachorro de Perro, que es lo que a mi me parecía, hay varios factores que indican más que nada que solo Pichulita es un cachorro, porque: a Pichulita lo castran, Pichulita de adulto sigue teniendo mentalidad de niño, no evoluciona como el resto; es más, Pichulita no llega a la “vejez” como persona, llega a ser viejo para la edad canina, y un dato más, que depende cómo uno lo interprete, “Pichulita” parece un nombre de perro (la verdad yo digo esto, porque no estoy acostumbrado a la palabra) aunque sea sonoramente, parece nombre de perro.

Lo que a mi más me impactó en Los Cachorros de Vargas Llosa es la forma en como está narrada la historia, la forma en la que los diálogos están ubicados, sin aviso previo sino directamente: estás leyendo y en la mitad del renglón te das cuenta de que lo que leíste es una cosa que dijo un personaje y no el narrador. Eso es bastante confuso, lo que hace que se preste mayor atención a la lectura. Lo que me ayudó a comprender más todo, y no perderme y cada tres renglones volver a empezar, es tomar apuntes de lo que leía, hacer un diario. Con esto, no me refiero a que no me haya gustado la historia, que es muy buena, sino a que, al no estar acostumbrado a la forma en que escribe Vargas Llosa, le presté mas atención a la forma de escritura que a la historia en sí.

Esta historia se desarrolla en una ciudad de Perú, específicamente en escenarios tales como una playa, la escuela, bares, etc… La trama principal cuenta lo que le pasa a Cuéllar pero también tiene tramas secundarias que son momentos de la vida del circulo de amigos que él tiene: Lalo, Mañuco, Chingolo y Choto, la escuela, sus noviazgos, los trabajos. Es muy claro en el relato que las voces de los personajes están marcadas según sus intereses; nos damos cuenta por las palabras que usan, palabras de chicos, como sería “boludo” en Argentina, pero otras, peruanas. El narrador es omnisciente pero parece como si estuviera dentro de la historia, ya que los diálogos no los anticipa nadie, sino se presentan directamente, luego de que el narrador hace alguna descripción.

"La novela (…) tiende a conservar en las diversas voces de los personajes las marcas de sus maneras de hablar según sus intereses (…), grupo social, pertenencia cultural, en fin. (...)

Así, muchas veces, los personajes tienen conflictos importantes alrededor de cómo llamar a las cosas, a los sucesos o a los seres” Esto está muy claro cuando a Cuellar lo dejan de llamar por su nombre para empezar a decirle Pichulita, que es una de las primeras fuentes de problema para él: le molesta ese apodo, y la verdad no estoy seguro que significa exactamente “Pichulita” pero se que es algo asi como maricón, y ese apodo se le adhiere cuando hace una mariconeada según sus amigos.

La historia va evolucionando linealmente, no va para atrás de repente, o hacia delante en saltos. Lo que sí pasa es que hay huecos en la historia, ya que transcurren varios años y

la elipsis es frecuente ya que al ser una novela bastante corta, hay que deshacerte de todo dato que sea innecesario. Lo que pasa en Los Cachorros es que de la escuela pasan a ser adolescentes, y de ahí, a adultos, y después viven solos, de ese modo, los años pasan, y ellos van creciendo, todo eso, hasta que termina la historia, con el funeral de Cuellar.

En esta novela, el personaje principal, Pichulita, es un héroe trágico trasplantado a una novela -cosa rara, es cierto- ya que tiene alta moral pero se va transformando para mal. Tiene características de héroe trágico como su destino, pero una lucha con un enemigo que es él mismo, ya que el factor de su problema es interno.

A medida que crecieron los personajes que lo rodeaban, todos tuvieron pareja, todos “tiraron plan” (otra palabra de la jerga de los jóvenes de Perú) pero por supuesto, todos menos Pichulita. La historia sigue avanzando y a medida que crece, Pichulita se vuelve un borracho, cabaretero, mal educado, se junta con gente más joven que él. Pichulita se muere en un accidente de auto. Sus amigos envejecen sin él.

Demián Velazco Rochwerger

De paso, cañazo

“Tan razonable como representar una prisión de cierto género por otra diferente es representar algo que existe realmente por algo que no existe.”
Daniel Defoe

La peste es una novela valiosa por su interpretación de la solidaridad y caridad; estos valores irrumpen en la cotidianeidad y rutina de los habitantes de Orán y generan la unión del pueblo para combatir a la plaga de ratas que acecha a la ciudad. El problema de esta historia hace que sus personajes, los ciudadanos oranenses, tengan que enfrentar a la muerte, y para esto deben estar unidos, ayudarse, no ser egoístas, pensar colectivamente. No pueden ser vencidos por la plaga que embiste a todos por igual. En ese momento no deben pensar que todo esta perdido, no deben pensar de nada que es en vano, el futuro, la felicidad, el amor que espera el momento del reencuentro. Y me imagino que afuera de la ciudad, en los alrededores u otras ciudades o países o continentes, donde habiten los familiares de los oranenses, ellos quizás también tengan esa relación de sentimiento de impotencia al no poder ayudar de alguna forma a los encerrados.

Es una buena historia para aprender el compañerismo, que uno no vive solo en el mundo, que no es “soy” sino “somos”, como a mí me gusta la frase de “Los tres mosqueteros”:”todos para uno, y uno para todos”.

“La Peste”, si tomamos al doctor Rieux como protagonista, se sostiene sobre un conflicto externo que la lucha contra la epidemia que las ratas traen a Orán; y sobre un conflicto interno, suyo, la contención ante el deseo de reencontrarse con su esposa, contracara del conflicto interno de Rambert, uno de los personajes secundarios, que es regresar a París donde está su amor.

En la extensión de su texto logra enfatizar tanto a la actitud de los personajes como la historia, que tiende a la tragedia. "Es verosímil por necesario que la desgracia del héroe trágico sea desproporcionada, casi injusta: no solo esa capacidad de sufrir da la medida del héroe sino también la dimensión de aquello que nos excede como individuos, de aquello que nos trasciende (sí, sí, los dioses, pero -en verdad- en el siglo V a.C., mucho más, sobre todo, el bien común, la Polis).” (Pena, Ficha de cátedra. 2008)

La ficción en esta novela resalta la realidad de la vida cotidiana. Una peste cuyo origen es misterioso irrumpe en la vida de la ciudad y ocasiona la muerte de una gran parte de la población; se cierran las rutas que comunican con el exterior como método profiláctico para evitar el mal en otras tierras. Aunque esto no va a ser verosímil en una ciudad común y corriente como por ejemplo Buenos Aires, tiene una lógica dentro del marco de la racionalidad de su gobierno, que dicho sea de paso parece el Estado nazi que mata judíos en la pestífera reclusión de los campos de concentración.

Sebastián Fasanelli

Imágenes: 1) afiche del film de Luis Puenzo de 1991, que adaptó la novela; 2) máscara clásica de médico de la peste (Venecia).

Creer o no creer... en ella

En Crónica de una muerte anunciada podemos notar muchas cosas que sin duda vivimos hoy, como lo importante que es la sociedad y cómo quedamos frente de ella. Refleja el machismo en la gran diferencia que hay entre el hombre y la mujer, siempre juzgada mientras que el hombre siempre va a ser el de la posición correcta.

Es interesante como una mientras lee se va sorprendiendo, pero siempre sabiendo cómo va a ser el final. Y como está relatado a manera de crónica, uno va fijándose más en los detalles. Y como incluso el personaje ya conoce su final, y es ahí donde podemos encontrar el porqué de su título.

Gabriel García Márquez nos cuenta que esta novela está basada en un hecho que vivió él en su adolescencia, y ahí está el punto de creer o no creer, ya que uno no sabe hasta dónde es cierto o ficcional lo que estamos leyendo. Esto da lugar a decir que trae a la actualidad problemas sumamente importantes en otro tiempo, como la venganza, sin importar que para lograrla haya que cometer un delito: está en primer lugar limpiar el honor de la mujer (en este caso obviamente, cómo los hermanos Vicario, matan a una persona sin la seguridad de que fuera él, solo para "limpiar" la imagen de Angela, su hermana).

Otro tema que me parece muy importante mencionar es el trato que se le tenía a una mujer, cómo Angela tenía que casarse con un hombre que no amaba, que no había una conexión, tal era esto que hasta que cuando Bayardo se entera de que la habían desvirgado decide alejarse de ella y humillarla para que pague por su error, y no fue solamente él quien hizo sentirla así, ni siquiera tuvo el apoyo de su propia familia.

La novela Crónica de una muerte anunciada de Gabriel García Márquez plantea el tema de un sistema de valores en una sociedad cuya vigencia entra en crisis y eso se ve en la oposición que se da entre todo el pueblo y Santiago Nasar, el supuesto trasgresor. Por esto quiero remarcar lo importante que viene a ser la sociedad ya que nunca se oponen a la decisión que toman los hermanos Vicario... porque siempre el conflicto principal de la novela tiene dos planos de expresión: el conflicto externo y el conflicto interno. El primero es el enfrentamiento que tiene el protagonista con el mundo que lo rodea (el problema que tiene con la realidad, o con los demás), podemos notar muy fácilmente el conflicto externo que tiene Santiago con la sociedad, donde nadie es capaz de pensar que probablemente no fue él quien desvirgó a Angela, ya que nunca demuestran pruebas de que realmente Santiago Nasar es el culpable.

En mi opinión esta novela habla de temas muy importantes que son reales en la Historia, como el "no poder" decidir una mujer la elección de su amado, y la importancia que tenía la imagen femenina para el hombre, dentro de la sociedad.

Solana Smulevich

EL CACHORRO

Los Cachorros, de Mario Vargas Llosa, habla sobre el transcurso de la vida de un joven lamado Cuellar, hasta su muerte. Este chico, común y corriente como sus amigos, sufre un accidente que al parecer le cambió su forma de ser y de pensar. Cambio su personalidad totalmente. Lo que ocurrió es que fue atacado por un perro que lo mordió digamos en sus “partes privadas”. Esto se ve como una castración, como cuando castran a un perro u otro animal. Yo creo que es por eso que la obra lleva el nombre de Los Cachorros. Cuellar y sus amigos son un grupo de cachorros y uno de ellos es castrado y por esto se va separando del grupo y no desarrolla como sus hermanos.

Luego de este accidente, todo en la vida de Cuellar comienza a cambiar, hasta ya no lo llaman más Cuellar, en adelante, su apodo pasa a ser Pichulita (palabra muy utilizada en Perú). A medida que van creciendo, todos avanzan "para bien", menos Pichulita, que crece físicamente pero dentro de su mente todo va para atrás. Cada vez reprime más sus sentimientos y pensamientos, ya no parece ser el chico feliz que solía ser. Una vez que entran en la secundaria Choto, Chingolo, Mañuco y Lalo se van enamorando por primera vez, inclusive teniendo contacto con el sexo opuesto. Pero Pichulita siempre iba quedando atrás, se alejaba de las chicas lo más que podía y si algún o de sus amigos le preguntaba por qué, él ignoraba la pregunta o tartamudeaba sin saber qué responder. Luego entran en la universidad y a esta altura ya todos habían tenido más de una novia menos Pichulita que seguía en su misma situación pero peor. No solo se alejaba de las chicas sino que ahora era "rebelde", tomaba y manejaba su auto como un desaforado teniendo un accidente tras otro. Llegando el final de la obra, cuando ya los cinco están envejeciendo y casados, Cuellar muere en un accidente de auto, como ya todo el mundo se lo veía venir. Muere en su soledad y su angustia, ya prácticamente solo y sin jamás haber tocado a una chica. Yo digo que esto fue porque lo castraron de pequeño, como cuando un perro es castrado, que deja de relacionarse sexualmente con su otro sexo. Esto fue lo que más aprecie de la obra, la metáfora de Cuellar siendo “castrado” como un perro.

Analizando la obra, elabore mi hipótesis de que cuando se narra la historia, solo sabemos bien sobre una muy pequeña parte de la vida de Pichulita, pero al mismo tiempo sentimos que sabemos exactamente todo desde que era chiquitito durante la primaria hasta que muere. Esto se explica por las elipsis, que consisten en suprimir ya sean días meses o años, de lo que no es fundamental que sepamos. Por ejemplo, si un hombre sale a trabajar y lo despiden y no vimos el trayecto desde su casa al trabajo (elipsis) sabemos lo que tenemos que saber, que es que lo despidieron. Bueno durante la vida de Cuellar hay muchísimos años que no nos son narrados, es decir, se nos va contando los sucesos más importantes, lo que necesitamos saber para tener un entendimiento completo de la obra. Si lo pensamos de esta forma, hay más de de ¾ de la vida de Cuellar que no conocemos, porque no son tan relevantes como los que sí están relatados. A través de la elipsis se van contando una serie de hechos que, aunque no hayan ocurrido uno detrás del otro sin nada entre medio, así parece estar contado.

En este estilo de obras en donde se relata la vida entera de una persona, la elipsis suele ser uno de los rasgos más sobresalientes, una vez que se las analiza. La elipsis se transforma en un compañero de la obra, va creciendo al lado de la narración, a medida que avanza la historia también lo hace la elipsis. Sin ello, la obra sería interminable e imposible de leer.

Ahora, (metiéndome más en el conflicto de Cuellar) hay dos tipos de conflictos por los cuales puede sufrir un protagonista, internos y externos. El conflicto interno es el que trata de una tensión interior entre caminos u opciones diversas y opuestas en su propia conciencia o espíritu y el conflicto externo es aquel que trata sobre enfrentar a otros personajes, que representan ideas, objetivos o deseos opuestos al protagonista. Aquí nos encontramos con un dilema, ya que el conflicto de Cuellar es claramente interno durante todo el transcurso de la historia, pero puede ser externo cuando hablamos del principio en la parte en la que es atacado por un perro. Este perro puede o no ser catalogado como un personaje. Tendrá que serlo aunque no sea una persona ya que es el causante de todo, el culpable de todo el sufrimiento de Pichulita a lo largo de su vida. En cuanto a la parte interna del conflicto, me refiero a todo lo que la obra no nos cuenta, es decir qué tipo de trastornos mentales tiene, por qué hace lo que hace. Nunca sabemos lo que piensa pero sabemos que su sufrimiento avanza por su mente y no por acciones (solo al principio). Tal vez tenía una forma de pensar muy diferente a la de los demás, tal vez solo tenía vergüenza, al principio, pero luego de sufrir tanto por no estar con ninguna chica se convierte en un rebelde, en un alcohólico. Cada día se hace más solitario y se desinteresa más por mantener las amistades. Sus amigos tratan de ayudarlo pero no consiguen nada. Y era probable que el hecho de que sus amigos lo quieran ayudar a estar con una chica lo volvía cada vez más y más loco. Las posibilidades de razones por las cuales enloqueció son infinitas. Yo solo propuse un par pero se sabe que hay más. Lo que sí se sabe, es que su locura lo llevo primero a su desgracia y luego a su muerte.

Llegando a una conclusión, Los Cachorros de Mario Vargas Llosa es una obra corta pero increíble. Me encantó cómo a lo largo de mi lectura el autor cambió totalmente mi visión sobre Cuellar. De una persona común y corriente a un enfermo mental referido como un perro. Cómo fue castrado en su infancia, mientras era un cachorro. La transformación del personaje al transcurrir su vida. Una de las cosas que más me atrapó, es decir, que me daba ganas de seguir leyendo la la obra era el hecho de que el narrador no era omnisciente, no sabíamos todo, solo sabíamos las acciones, no teníamos idea de lo que pensaba nadie, y si querías saberlo tenias que “escuchar” (lo pongo entre comillas porque no tenés que escuchar, sino que leer lo que decían y cómo sonaba). Entonces tenía que seguir leyendo para entender todo lo que sucedía, por qué Pichulita actuaba de esa forma. Y yo leía pensando que al final de la obra iba a haber una explicación razonable para todo esto, pero no la hubo. Esto me dejó muy sorprendido. Lo que quiero decir es que la obra de Vargas Llosa es muy atrapante y muy poco predecible. Me sorprendía en cada página y jamás sabía lo que venía.

ALAN LINENBERG

CADAVEREMBALSAMADOGRAFÍA

She/may be the beauty or the beast/may be the famine or the feast/may turn each day into heave or a hell
she/who always seems so happy ´n proud/who´s eyes can be so private and so proud/no one´s allowed to see them when they cry
She/may be the reason I survive/the why and where for I´m alive/the one I´ll care for through the rough and rainy years
the meaning of my life is/she, she, she

Elvis Costello

Había una vez una cenicienta que se llamaba Eva Duarte. Un día, se casó con el rey de un país grande grande llamado Argentina.

Eva Duarte se convirtió en Evita, y ahora llevaba una corona, después de ir a la peluquería, claro. Tenía los cabellos dorados y un aura angelical (fragmento omitido) que se expandía como si hubiese explotado una bomba nuclear.

La princesa era tan linda y tan buena que casi todo el mundo la adoraba (fragmento omitido). Las personas iban al castillo de Evita y le pedían cosas. Ella, siempre amable y alegre (fragmento omitido), les daba todo lo que querían (fragmento omitido). Un día a un señor se le murió la esposa y la princesa Evita le dijo que pase por su castillo, que lo iba a ayudar (fragmento omitido).

Como la princesa desbordaba bondad (fragmento omitido), un (fragmento omitido) día (fragmento omitido) Dios (fragmento omitido) decidió que la princesa (fragmento omitido) (fragmento omitido) (fragmento omitido) fuera al cielo (fragmento omitido) para cuidarnos (fragmento omitido) desde el (fragmento omitido) cielo. Pero todos la querían con ellos, como si fuese una Barbie Evita edición limitada.

Yo termino mi cuentito acá, pero la historia continúa en Santa Evita, de Tomas Eloy Martinez, quien no omite fragmentos, quien se mantiene lo más objetivo posible, quien tiene más personajes y no se limita a una sola reina, y quien nos cuenta un cuentito real, tan real que uno se pregunta si vive en una ficción.

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Armemos un rompecabezas. Si es del retrato de una santa, realmente rompe cabezas. Cuidado que no se pierda ninguna pieza porque se le pueden desprender del cuerpo al usuario del jueguito. Empecemos con el borde, y luego, encastremos las piezas que faltan.

Santa Evita es la historia de un cuerpo, es un rompecabezas que logra armarse porque existen piezas para encastrarle en el borde. Tenemos una Historia, una verdad absoluta, algo irrefutable si se la tiene clara y completa. Lástima que tengamos tantos fragmentos omitidos. Pero de ahi viene la ficción, de los fragmentos omitidos a rellenar, de las piezas para encastrar.

La novela es producto de la unión de testimonios y de la subjetividad de un autor que decide cómo armar el rompecabezas. A partir de esta recopilación de subjetividades, se logran postular puntos de vista completamente diferentes entre sí, lo que hace un relato lo más objetivo posible, porque ningún tema es objetivo desde que se elige tratarlo. Pero el autor supuestamente cuenta en la novela todo lo que descubre, y más. Si nos cuenta todo y no descarta nada, intenta ser objetivo pero lo que limita al discurso es la Historia.

Tomas Eloy es de carne y hueso. Los personajes de la novela están basados en carne-y-huesos. ¿A qué voy con esto? No sé. Pero la protagonista está hecha de relleno de almohadas. Ella es la ficción, ella quiebra la realidad, la historia, lo concreto, las carnes y los huesos. Y nosotros creamos a esa protagonista rellena, no solo el Doctor Pedro Ara. "El arte del embalsamador se parece al del biógrafo: los dos tratan de inmovilizar una vida o un cuerpo en la pose con la que debe recordarlos la eternidad" Ella es ficción porque giran a su alrededor muchas subjetividades que la forman. Todos los carne-y-huesos que la rodean o la rodearon son cadaverembalsamadográfos porque intentan de inmovilizar una vida o un cuerpo en la pose con la que debe recordarlos la eternidad. Lástima que haya tantas poses distintas en una misma foto, debe ser por eso que el rompecabezas no se puede armar.

Brenda Kreizerman

Eva, la mujer argentina

Evita, santa Evita, cuántos adjetivos pueden ir delante de Evita, buenos o malos, dependiendo de quién hable, escriba o cuente sobre ella.

Santa Evita de Tomas Eloy Martínez es una novela que bien podría haber sido parte de distintas notas periodísticas, que bien podría ser un día de la vida de Evita o más bien un día en la vida de un cuerpo muerto.

Santa Evita muestra las cosas que los militares mejor hicieron a través de los años: atacar, maltratar, secuestrar, violar y muchas otras cosas, pero lo que más intenta mostrar es la importancia de Eva para los argentinos más necesitados, seguramente, la importancia para ellos en los que Evita generaba pasión, para los que generaba amor. En cambio, Evita generaba odio en otros, como en los militares que se encargaron de maltratar su cuerpo, pero al mismo tiempo de darle vida.

Eva estaba muerta, pero su cuerpo vivía, el relato periodístico, o la novela nos lo cuenta, nos lo muestra. Nos quiere convencer su autor de que lo suyo es una novela pero lo podemos comparar con Operación masacre en la que encontramos la no ficción, uno o varios sucesos contados como en una novela, hechos reales que quizás en Santa Evita pueden llegar a no ser del todo reales algunos, pero parece que sí lo son.

Esta obra puede ser considerada una simple novela, un relato periodístico o la biografía del cuerpo de la mujer más importante de la política argentina, mujer que les dio lugar a las demás para que puedan votar, mujer que le dio lugar a Isabelita a ser la primera presidenta de los argentinos, en realidad le dio a Isabelita la posibilidad de cumplir un sueño que Perón no pudo cumplir junto a Evita, la formula Perón- Perón. Además Evita es a quien hoy cristina Fernández de Kirchner imita en muchas cosas, principalmente en el "argentinos y argentinas" de sus discursos, es en ella de quien intenta reflejar muchos de sus dichos y hechos, intenta acercarse a los más necesitados, pero realmente es solo un intento, porque más allá de mis diferencias sobre algunos pensamientos o visiones de Evita, nuestra presidenta no le llega ni a los talones.

Eva les dio derechos a los más necesitados, pero los argentinos nunca pudimos romper esa brecha entre las distintas clases. Yo personalmente creo que esto ocurrió por distintos motivos pero quiero analizar uno haciendo referencia a cómo los argentinos muchas veces entendemos la política. El cuerpo de Evita generó pasiones, mientras los militares lo odiaban, lo violaban, lo maltrataban, había gente que pedía por la aparición del cuerpo. Mientras Evita estaba viva o incluso ya muerta, había gente a los que, cuando se le hablaba de Evita, se le estaba hablando de lo mejor, pero a otros, de lo peor. Nunca de algo que tenía buenas intenciones pero terminó mal, nunca un término medio, y eso ocurrió y ocurre todavía hoy en día: en la política argentina no hay termino medio, o parece no haberlo, y muchas veces una decisión de la presidente parece una Boca-River, o estás a favor, o estás en contra. O estabas a favor del campo o a favor del gobierno, era imposible decir "yo estoy a favor de las retenciones pero siempre y cuando sean menores y sean consensuadas entre todos, luego de que se voten en el Congreso y siempre que el dinero que salga de ahí sea bien redistribuido". Siempre fue o uno u otro, y no nos damos cuenta que esto no es así, de que hay que ponerse por un momento en lugar del otro intentar consensuar, que todos podamos tener derechos. Todos somos argentinos, que a uno le vaya mal nos perjudica a todos. Los argentinos no nos damos cuenta de las oportunidades que tenemos, Evita posiblemente aprovechó las suyas, después podemos analizar si para conseguir votos en distintas elecciones en las cuales después no pudo participar o porque realmente entendía que el dinero debía estar en manos del pueblo.

Evita con lo malo y lo bueno generó esta pasión en los argentinos, la política, la lucha social, esa que todavía no podemos resolver y que no parece que se vaya a resolver. Evita fue una mujer a la que le molestaba la gente con plata, a la que le molestaba que haya gente a la que le fuera bien mientras otros no tenían para comer. Eso es realmente un ejemplo, Evita fue realmente importante, fue tan importante que hizo que gente escriba en las paredes en donde Evita se encontraba internada "viva el cáncer", hizo que su cuerpo sea secuestrado, violado y realmente maltratado.

Mientras leía la novela, además se me ocurrió que Eva fue una desaparecida más de los gobiernos militares, con la diferencia de que ella hoy si tiene su lugar en este mundo, su cuerpo fue maltratado igual que el de muchos otros argentinos que lucharon en nombre de ella que ya no estaba, lucharon por todos nosotros que no veíamos lo que ocurría.

La novela de Tomás Eloy Martínez, con todos sus hechos, sus relatos, nos muestra la vida del cuerpo de Eva, nos muestra lo que realmente esta mujer significaba para todos. Esta novela puede ser tomada como nuevo periodismo, un periodismo que sabemos en argentina la pasa mal: muchas veces los medios están monopolizados, los medios están a favor o encontra del gobierno, nuevamente nunca un término medio. La prensa es importante, pero según a qué nivel informa, puede llegar a desinformar al pueblo. ¿Qué le conviene a un gobierno?: ¿que las noticias salgan o no a la luz? A Evita mucho no le gustaba que se conocieran cosas malas, sí, Cristina la sigue en muchas de sus cosas, ¿Por qué debería gustarle? Hace 2 días se bloquearon los lugares de donde salen los tres diarios más importantes del país. Esta novela, que tiene mucho de Historia, con relatos que seguramente molesten a muchos, ¿se realizó por intereses políticos como muchas de las cosas que ocurren en el periodismo hoy en día o se escribió sin presión alguna? ¿Esta novela pudo haber no sido vendida al público? ¿Los militares reconocerán todos estos hechos como periodísticos o podrán decir que es parte de una novela?

Para finalizar, dos cosas: en primer lugar, me pregunto que pensaría Eva de los gobiernos de las dos mujeres que pudieron gobernar el país, más que nada que pensaría del gobierno de Cristina que fue electa por la gente, y que pensaría de la elección en la que dos mujeres (Cristina y Carrió) sacaron más del 60% de los votos.Y en segundo lugar, pero no menos importante, me gustaría remarcar una parte de la novela que realmente me llamó mucho la atención, que impacta bastante, un momento en el que un militar le dice a otro que el general Perón se vaya a Paraguay si quiere, que haga lo que quiera, pero que el cuerpo de Evita no lo toque nadie, que ese maldito cuerpo hay que hacerlo desaparecer. Esto realmente me hace preguntar quién era más importante: ¿el general Perón o Evita, Santa Evita?

Iván Ullmann

FOTOS

1) Evita votando en 1951 en su cama del Policlínico Presidente Perón. Tomada Alberto Fusco. Archivo General de la Nación

2) Domingo Tellechea trabaja en la restauración del cadáver. 1974. Está publicada en la web y en el libro Evita esa mujer, de María Seoane y Víctor Santa María. Cuaderno N°5 de Caras y Caretas, pero no hemos conseguido los créditos de autoría.

Ir y volver

El extranjero de Albert Camus es una novela que te ¨ aleja ¨, te aleja de ella. Esto no significa que te aleja y te hace evitar leerla, no, te aleja de la historia para que uno pueda verla correctamente, porque nos es imposible leer la primera parte si no estamos alejados. ¿Alejados como qué o quién? Esa es una buena pregunta, ¿hay que estar alejados como nuestro héroe, o como nuestro narrador? ¿Qué es estar alejados?

La novela El extranjero de Albert Camus plantea que la falta de emociones representa el alejamiento del mundo y de la sociedad.

Extranjero es aquel que no pertenece a algún lugar o un país y también por qué no decirlo a una historia, uno puede ser extranjero de la historia, del mundo, de otro, o de uno mismo. En esta novela nuestro personaje principal es extranjero de su historia, no está conectado con ella, y si bien es parte de ella y sus acciones influyen en su desarrollo, no parece en ningún momento siquiera que reconoce la reconociera; está tan alejado emocional y mentalmente, que no pare ser afectado en ningún momento por lo que pasa. Pero en la obra no solo el héroe es extranjero, el narrador también lo es y al serlo nos hace a nosotros los lectores extranjeros ya que debido a su falta de descripciones y con sus relatos rápidos durante la primera parte, nos hace alejarnos de la historia. Y eso ayuda a que podamos verla desde donde la ve su protagonista y que la transición de extranjero a dueño de la historia sea muy comprendida y aceptada por nosotros. Porque en la segunda parte cuando el narrador se compromete y comienza a formar parte de la historia hasta tal punto de que la hace suya, uno, también va comenzando a comprometerse con la historia y con el personaje uno comienza a entenderlo y comprenderlo y esas cosas por las cuales uno lo odiaba, su falta de moral, son ahora aquellas por las que uno le tiene compasión y no quiere su muerte, no lo ve merecedor de este castigo, quiere que viva, lo quiere, quiere ver cómo termina su relacion amorosa, tiene ganas de ver cómo sería su vida ahora que parece entenderla y desear vivirla.



Es increíble como Albert Camus logra esta transición de extranjeros en la lectura a lectores con deseos de que la historia nunca termine con solo modificar la forma de narrar, agregando mucha más descripciones y más reflexiones del personaje.


El narrador cambia su rol: pasa de un mero espectador que cuenta los hechos a ser parte de los hechos mismos así como el héroe pasa de extranjero en su propia historia a protagonista de ella y el lector, del rechazo a la emoción positiva. Aquí la evolución propia del protagonista de las novelas no solo está representada en el personaje sino también en nosotros mismos, ya que no es imposible terminar de leer esta novela y plantearnos cuán conectados estamos con nuestra historia y nuestra vida en todos los sentidos.


Esta es una novela que en mi marcó una gran diferencia ya que me resultó increíble cómo a lo largo de menos de 100 páginas uno es, forzado a salir, y forzado a entrar, pero en ningún momento lo siente. La novela nos sorprende a todo momento porque nos es casi imposible reconocer cuál es el punto en el que dejamos de juzgar y comenzamos a comprender a nuestro personaje. Es increíble el poder de la narración y es una locura ver que con sutiles cambios en ella se modifica toda la percepción de una historia.

Albert Camus me hizo comprender el poder de las descripciones y como su presencia o su ausencia puede hacer a uno parte o no de la historia. También nos muestra cómo uno puede ser un extranjero sin desearlo o sin sentirlo, cómo podemos vivir toda una vida alejados, alejados de la vida misma ya que uno puede vivir, tal como nuestro héroe, toda una vida plena, plena para uno mismo, pero sin darse cuenta que la única relación entre uno y esa vida es simplemente el decir que esa vida es suya, adueñarse de ella con la palabra pero alejarse con las acciones. Estas 99 páginas nos muestran cómo un simple hecho nos puede cambiar la vida y hasta nos puede devolver una vida que estaba prohibida, cómo es que todo lo que uno creía correcto al final no lo era y cuán simple es la diferencia entre lo correcto y lo que no lo es, pero aun así cuán complicado es saberlo.

Kevin Grünbaum

Esta brevísima alba

La obra “El Extranjero” de Albert Camus, nos cuenta sobre un hombre que vive la vida, se podría decir, sin sentirla, sin disfrutarla, o disfrutándola a su manera. Se puede ver que no está seguro de sí mismo, de las cosas que dice o que hace, es un hombre muy indeciso. Este personaje al finalizar la primera parte de la obra, mata a una persona, y es encarcelado por este hecho. En la cárcel, después de un tiempo, él siente por primera vez su vida y la reflexiona, mucho más de lo que pudo haberla pensado afuera de ese encierro; esto se demuestra cuando, en sus últimos días de vida, reflexiona con el capellán; este es un párrafo que me gustó mucho y me dijo mucho sobre el valor que quiere transmitir esta obra: “pero estaba seguro de mí, seguro de todo, más seguro que él, seguro de mi vida y de esta muerte que iba a llegar. Sí, no tenía más que esto. Pero, por lo menos, poseía la verdad, tanto como ella me poseía a mí. Yo había tenido razón y hubiera podido vivir de tal otra. Había hecho esto y no habría hecho aquello. No había hecho tal cosa en tanto que había hecho esta otra. ¿Y después? Era como si durante toda la vida hubiese esperado este minuto…y esta brevísima alba en la que quedaría justificado.”

Esto nos muestra un cambio de este personaje, que se dio cuenta de que su vida ya no iba a cambiar y que solo sus palabras lo iban a acompañar, mucho después de muerto, que no iba a dejar de hablar, pero que se arrepentía de sus hechos, y no solo de haber matado, sino de haber pasado esa vida, de no haberla podido aprovechar.

Ser un extranjero de su vida para ir a una segunda y mejor vida.

La vida es mucho más de lo que uno puede ver o percibir, es necesario darse cuenta de que la vida es una sola, de que la vida hay que disfrutarla, y poder reflexionar sobre las cosas que hace, para así corregirlas, y tener una mejor vida. No hace falta darse cuenta de las cosas malas que hizo uno, cuando ya no lo puede cambiar, como Meursault (el protagonista de esta obra) que se dio cuenta de las cosas que hizo, las reflexionó, las analizó, pero todo esto en la cárcel y días antes de que le cortaran la cabeza.

Esta obra es muy interesante ya que el autor, Albert Camus, cuenta la obra en primera persona, la cuenta como si hubiera sido él, el personaje Meursault. Nos cuenta su vida, su pasado, hasta llegar al presente, y siguiendo relatando la historia de él, finalizando hasta el último capítulo de la novela.

Camus, haciendo esto, por lo menos a mí, me genera la sensación de que yo mismo estoy en la historia, que estoy en la novela, que soy parte de esa vida y que la estoy viviendo en los ojos de este personaje principal. A que yo pueda percibir y sentirme así, ayudan mucho los verbos que el autor usa, el presente, pretérito perfecto compuesto y el futuro, para que la enunciación que usa sea el discurso, utilizando en toda la obra la primera persona.

La conclusión a la que uno puede llegar es que con esta obra uno se da cuenta de que este personaje, Meursault, puede y podemos ser cualquiera de nosotros, capaz cometiendo otros hechos, pero unos actos que nos juzguen para toda la vida, y no poder remediarlos, dándonos cuenta del dolor que uno causó, para recién ahí reconocer lo valiosa que es la vida. Y poder No ser un Extranjero de la vida, en nuestra propia vida, y poder decidir lo que uno quiere para uno mismo y para las demás personas que quiere o tal vez no, pero que valen la pena. En la parte del análisis me enseñó elementos de la voz y la focalización que no sabía, como la localización deíctica, que es algo que tiene mucho esta obra que analicé, como el lazo que genera el autor entre los acontecimientos del pasado con los del presente.

Los dejo con un pequeñísimo poema

Esto nos muestra un cambio,

El cambio de este personaje,

Este hombre,

Este hombre que se dio cuenta de que su vida ya no iba a cambiar

Y que solo sus palabras lo iban a acompañar.

Pablo Amaru Molina

la expulsión al paraíso al revés

Todo Metamorfosis

Lo más remarcable de La metamorfosis de Franz Kafka es la manera en la que está tratada la ficción. Kafka relata la historia de una manera que lo hace ver real, humaniza tanto al personaje que nos hace creer que de verdad podría pasar. Eso es justamente lo que nos hace interiorizarnos con el protagonista.

Irreversible

La novela toca ciertos temas como el miedo al mundo exterior, la culpa, el rejuvenecimiento con el trabajo, relación padre e hijo, el individuo en contra de la sociedad, que pueden ser unidos por la relación de tres palabras MANZANA-CULPA-TRABAJO. Estas palabras representan lo que sería la expulsión del paraíso en el Génesis. El parentesco de la historia de Gregorio Samsa y la de Adán y Eva no difieren en mucho, de hecho es casi lo mismo pero a la inversa.

El resto

No todos leímos lo mismo. Boquitas pintadas de Manuel Puig tiene en su interior una variedad de personajes, en los cuales es difícil distinguir el protagonista, cambian constantemente los que hablan, y estos cambios confunden debido a que como explicó mi compañera Dana: “En el momento que uno ya está cómodo con la forma en la que está transcurriendo la historia, y ya asimiló de cuál de los tantos personajes está hablando; nuevamente Puig te impone otro formato, algo más para comenzar a entender de nuevo.”

Las diferencias que encontramos en esta novela con la que estamos tratando es que hay un único personaje principal y héroe fácilmente reconocible llamado Gregor Samsa. Lo que se puede encontrar de parecido es que por momentos también es un poco confuso por el cambio de puntos de vista que se hacen a lo largo de la obra.

Santa Evita de Tomás Eloy Martínez narra hechos históricos; cambia a cada rato los tiempos, es decir, va de futuro a pasado y viceversa todo el tiempo. Cosa que no ocurre en La metamorfosis, pero ambas vistas en profundidad tienen un especie de complejo con la ficción. "Si la historia es-como parece- otro de los géneros literarios, ¿por qué privarla de la imaginación, el desatino, la indelicadeza, la exageración y la derrota que son la materia prima sin la cual no se concibe la literatura?"(destacado en Santa Evita)

De novela

Se plantea en la obra de Kafka un héroe individual, Gregorio Samsa, que es presentado como un héroe desde un principio el cual lleva a su familia adelante él solo, saliendo a trabajar día y noche.

Su deseo es dejar de trabajar, pero antes finalizar de pagar la deuda de su padre en su odioso trabajo. Cuando por fin su oportunidad se presenta, por medio de un conflicto externo (se convierte en un insecto), comienzan los conflictos internos que lo humanizan, ya que al ser un insecto necesitamos mostrar que sigue siendo una persona por dentro.

Los conflictos se van mezclando a lo largo de la historia, y juntos provocan el comportamiento de Gregor. Él necesita ser fuerte, poder soportar todo el sufrimiento por el que pasa, es eso lo que no lo dejó ver su error el cual fue que en el momento que pudo se mostró y dejó que su madre y hermana lo vean.

En el momento de su error él no es consciente de las consecuencias que este puede llegar a tener. Su padre se enfurece casi a punto de matarlo con una manzana (tirar una manzana puede ser muestra de que ya no lo reconoce como su fruto) y carga con ella en su espalda hasta finalizada la obra. Es ahí donde su hamartía le juega en contra y es olvidado, su cuarto se inunda de polvo, deja de ser atendido como un rey para pasar a ser uno de sus plebeyos.

El pathos de este personaje entra en juego cuando es hipnotizado por la música de su hermana, abandona el cuarto para ir a donde ella se encontraba y cuando lo ven, entra en estrés, vuelve rápidamente a su habitación y al siguiente día lo hayan muerto. Luego de esto se aproxima el alivio para todos.

Su familia reconoce el crecimiento que habían hecho luego del suceso, su padre había rejuvenecido trabajando luego de años de no hacer nada, su hermana se había empezado a preocupar un poco más por ella, y por último su madre también había conseguido trabajo y quería conseguirle un novio a su hija ya que la veía mejor.

De Kafka a Pecchia

¿Qué pasaría si el proceso de nacer, tener una vida con conflictos/culpas, la aceptación y con ella el trabajo, sucediera al revés? ¿Sería todo más fácil acaso? ¿Qué persona no sueña con el paraíso? ¿Quién nunca se pregunto qué hubiese pasado si Adán y Eva no hubiesen comido la MANZANA prohibida? Yo les voy a contar una historia donde lo inexplicable, lo que todos soñamos se hace realidad, uno de estos días llegar al paraíso.

(Se escuchan sonidos raros, gritos, pero no se saben de qué clase de criatura vienen) de pronto se ve esta cosa extraña. Se lo ve raro, como si no supiese que está haciendo así. Cree que es un sueño pero se empiezan a escuchar voces, este no comprende lo que estaba ocurriendo, pero pronto se iba a tener que acostumbrar porque iba a permanecer ahí por un largo rato. Comienza a recordar sus odiosos días de trabajo como comerciante y por primera vez se alegra de estar ahí.

Luego de años de trabajo su culpa empieza a aumentar, el no hacer nada lo hace pensar, plantearse cosas que nunca se le habían cruzado por la cabeza. Ya pasado el tiempo se da cuenta que puede salir de ese lugar, pero es como si estuviese obligado a quedarse.

Un día se le presenta la oportunidad de romper la única “obligación” que tenía, no se da cuenta de las consecuencias que podía llegar a tener y su vida corre un grave peligro con una manzana arrojada por su padre, el fruto queda incrustado en su espalda.

Es como si hubiese vuelto a nacer en otro cuerpo, los tratos que se le eran dados ya no eran los mimos, había pasado de ser atendido como un rey para pasar a ser uno de sus plebeyos. Su vida empieza a oscurecerse, lo que ayer estaba limpio hoy es pura suciedad. Es ahí donde conoce su fruto, abre sus ojos, conoce su realidad y la acepta.

Encerrado en su cuarto, sabiendo que esa vez que salió fue la única y que jamás volvería a pasar. Pasado un tiempo, escucha a su hermana tocar el violín luego de años de no hacerlo, hipnotizado por la música necesita abandonar el lugar donde él se encontraba para poder llegar hasta ella. Cuando lo hace se encuentra con su familia entera y además los huéspedes que esta tenia para poderse mantener luego del suceso, debido a que anteriormente él era el único que trabajaba y llevaba a toda la familia en su espalda, al igual que ahora hacia con la manzana.

En el preciso momento que se da cuenta que está siendo visto por todos, sale disparado a la habitación lo más rápido que puede. Muere estresado pensando que iba a ocurrir, pero para él y para toda su familia termina en alivio. El había conseguido la mayor libertad que podría tener, y su familia había rejuvenecido, luego de haber conocido el paraíso donde ninguno de ellos trabajaba, sucedido el hecho tuvieron que adecuarse a las circunstancias y comenzar a laburar y en ese periodo de tiempo la cabeza se los comía pensando cómo iban a salir de esa situación. Luego de tanto sufrimiento ellos por fin se habían relajado.

¿Sera este el camino al paraíso? ¿Así de estructurado estará? ¿Luego del sufrimiento se llega? La vida de este sujeto puede ser tomada como la del protagonista de “el viaje a la semilla” donde su vida corre para atrás naturalmente. Quizá la de nuestro protagonista no valla para atrás pero si los hechos como nosotros los conocemos. MANZANA-CULPA-TRABAJO, TRABAJO-CULPA-MANZANA. Hay entra lo real en lo ficcional, pareciera un modo imposible de hablar sobre nuestro mundo. Es por eso que sentimos tan nuestra la historia, porque está más cercana de lo que pensamos.

Georgina Pecchia

Lacrimógena y cruel novela rosa

El jueves 27 de noviembre de 2008 a las 15:00 la madre de Dana entró a su cuarto, despertándola a los gritos, remarcando lo tarde que era. El ya mencionado jueves 27 de noviembre a las 16 30, Dana se sentó frente a la computadora, dispuesta a empezar su trabajo, pero se distrajo en otras cosas absurdas del mundo virtual.

El ya mencionado jueves 27 de Noviembre de 2008, a las 17 hs, Dana finalmente se dispuso a escribir acerca de Manuel Puig y sus Boquitas Pintadas, y descubrió muchas cosas, en principio, lo mucho que la había disfrutado.

Manuel Puig fue un apasionado del cine, a ese arte se dedicó en un principio, y luego empezó a escribir. La sensibilidad es lo que lo caracteriza, y no quiero ser tan básica como para atribuirle esto a su homosexualidad, pero en Boquitas Pintadas, algo femenino está presente. Él mismo decía que debía haber nacido mujer, y se llamaba a sí mismo Rita o Julie -por Julie Christie-. Hablaba de los demás en femenino, dándoles nombres de actrices: Carlos Fuentes era Ava Gardner, Mario Vargas Llosa era Elizabeth Taylor, Tomas Eloy Martinez era Faye Dunaway o Jane Russell.

"Soy una mujer que sufre mucho"; "Si pudiera, cambiaría todo lo que voy a escribir en la vida por la felicidad de esperar a mi hombre en el zaguán de la casa, con los rulos hechos, bien maquillada y con la comida lista. Mi sueño es un amor puro, pero ya ves, estoy condenada a los amores impuros."

Boquitas pintadas es un reflejo de este sufrimiento y esta pasión por el amor. Es para mi una lacrimógena y cruel novela rosa.

Con ese estilo de agenda informativa con detalles cronológicos; con la colaboración de un narrador omnisciente y con el uso de pensamientos y conciencias relatadas, fichas de sala de maternidad, noticias de la policía, obituarios y especialmente cartas y tangos los lectores vivimos cómo se va escribiendo, poco a poco, esta historia de amor, crimen y desencuentros.

Me sorprendió desde el primer momento la manera en la que está narrada. Manuel Puig no se conforma únicamente con contar la historia de una manera. Alterna. El discurso toma distintas formas, conmuta, lo que no facilita la labor de deducción, sino que lo hace más jugoso, más exprimible y así genera una forma de intimidad con los personajes: uno no conoce solo una cara de Juan Carlos y de Nené, se entera de lo que piensa, de lo que hace, lo que siente. También estos cambios confunden, en el momento en el que uno ya esta cómodo con forma en la que está transcurriendo la historia, y ya asimiló de cuál de los tantos personajes está hablando, nuevamente Puig impone otro formato, algo más para comenzar a entender de nuevo.

La novela comienza y termina con una muerte. Está estructurada en dos partes y dieciséis entregas; y cada una tiene como epígrafe líneas de un tango, que suelen ser de Gardel o de Le Pera.

La primera parte “Boquitas pintadas de rojo carmesí”, comienza con la lectura de Nené, del obituario de Juan Carlos. En esta primera parte, Puig nos "entrega" el romance de Nené con el hermoso, seductor, e infiel Juan Carlos Etchepare. También encontramos aquí, en un segundo plano que cuesta identificar como tal "segundo", el triángulo de Mabel, Raba y Pancho, quienes proporcionan el elemento oscuro de crimen y suspenso de esta trama, y la relacionan íntimamente con el género policial.

La segunda parte es titulada “Boquitas azules, violáceas, negras” y es la encargada de desatar las tensiones que empezaron en la primer parte. “Boquitas pintadas” es una frase de un tango. Y como dijo sabiamente Kevin Cabuli, la novela en sí es un completo tango. El autor explica: “yo sentía que esos personajes, de un pueblo en La Pampa, estaban inmersos en una atmósfera gardeliana, que eran personajes que creían en las letras de los tangos sin atreverse a vivir como un tango”. Los personajes son muy reconocibles, y esto genera la intimidad y el encanto del lector por la obra. Juan Carlos es el galán de telenovela, machista y arrogante. Nené es inocente y quiere hacer lo correcto; fue víctima sexual del Dr.Aschero, lo cual la avergüenza; sigue enamorada de Juan Carlos y aunque se casa con otro, no puede ser feliz. Ella idealiza al novio enfermo y con el paso del tiempo se olvida de sus defectos y de sus traiciones. Celina, hermana del protagonista, es claramente la villana de la obra. Mabel es la niña rica, consentida que termina mal, y te decepciona con el escándalo con Pancho. Pancho y Raba son típicos personajes humildes, usados y maltratados por los patrones o por las condiciones sociales en que viven. De los personajes femeninos, la Raba es la que mejor termina: rodeada de hijos, casada con su vecino y gozando de sus numerosos nietos a pesar de haber asesinado a Pancho al darse cuenta de su engaño.

Llore, sufrí y me enamoré mientras pasaban las páginas rosas. La argentinidad y el romance de Boquitas Pintadas van a hacer seguramente, que el pueblo de Vallejos me acompañe a todos lado.

Dana Lerner

Días después de la última página

Los cachorros, de Mario Vargas Llosa es una novela cuya duración excede la del cuento pero a comparación de la generalidad de las novelas, es corta. Sin embargo, el plano ideológico está fuertemente representado y esto hace a la trama infinitamente compleja y rica. El conflicto de Los cachorros es, definitivamente, complicado y extenso. Aún así, está narrado de una forma breve (en cuanto a número de páginas) que invita a lector a permanecer atado a ese conflicto hasta que se convierte en propio, tal vez un tiempo después desde que se concluye la lectura.

En la obra de Vargas Llosa se identifican características del contexto burgués, el cual forma parte de los orígenes de la novela. Se destaca el individualismo, al intentar erradicarlo con el narrador colectivo y con la ausencia de un punto de vista individual. De este modo se confirma el nivel de incorporación del individualismo en las personas cuando claramente, notamos su ausencia en la escritura.

Cuellar, el personaje principal, siente el peso del progreso como una necesidad, como una obligación. Aunque el progreso lo lleve a la desgracia y no esté de acuerdo ideológicamente con lo que implica. Los debates psicológicos del personaje están presentes en cada palabra de la narración, y este desentendimiento se produce a raíz de la ausencia de un narrador específico y el rejunte de todos los posibles.

A simple vista, parece que Los cachorros tiene una mirada general de todo, pero es a partir de esa mirada general que se puede tener libre acceso a los conflictos internos de Cuellar.

Luego del despliegue de todas estas reflexiones generales acerca de la obra, me fijaré en el aspecto más provocativo que hallé en ésta. El juego con la mezcla narrativa afecta al lector a tal punto que se afecta, también, su percepción del conflicto interno del personaje al que me referiré como principal: Cuellar.

La falta de un narrador específico en Los cachorros, convierte a la obra en una tragedia.

Según Aristóteles, La tragedia es la imitación de una acción de carácter elevado y completa, dotada de cierta extensión, en un lenguaje agradable, llena de bellezas de una especie particular según sus diversas partes, imitación que ha sido hecha o lo es por personajes en acción y no por medio de una, la cual moviendo a compasión y temor, obra en el espectador la purificación propia de estos estados emotivos.

Entonces, en Los cachorros las acciones tienen un alto nivel de densidad, no así los detalles estéticos o del inconsciente. Todas estas acciones son las marcas del presente y del futuro de los personajes, son los motivos, son las causas. Tal como apunta Aristóteles en su definición, el lector se involucra como si estuviera viviendo la obra en carne viva.

Aristóteles habla de la catarsis, un proceso que implica dos momentos: uno de identificación y de sufrimiento por la acción y otro, de la liberación de ese dolor, apaciguador y placentero. En la obra hay una liberación del dolor con la muerte de Cuellar, que se le aparece como la mejor solución a la vida encrucijada, ya que adaptándose sufre y marginándose también.

Aristóteles hace hincapié en que “la tragedia no imita a los hombres, sino una acción, y la vida, la felicidad y la desgracia están en la acción y el fin de la vida es una manera de obrar, no una manera de ser”, y, justamente, los hechos que atormentan a nuestro personaje no se dan según su forma de ser, sino por las acciones que no son determinadas por él, sino impuestas por la demanda social (vista en una narración desinteresada, despersonalizada, pretende abarcar todo y no abarcar nada). No interesan en Los cachorros las personalidades particulares y únicas de los personajes. El fin de la vida de Cuellar no se da por su forma de ser, como dirían sus amigos al final de la obra “(…) pobre, decíamos en el entierro, cuánto sufrió, qué vida tuvo, pero este final es un hecho que se lo buscó”, sino que se da como una manera de obrar, una salida elegida (inconscientemente, ya que sufre un accidente durante sus etapas de ebriedad y “holgazanería”).

Si hubiese un narrador fijo y hubiera, por ende, un punto de vista muy desarrollado, no podría generarse la sensación de complicidad colectiva, de culpa, de desgarro, de remordimiento.

En la misma historia contada en Los cachorros, es evidente el peso del accionar en la realidad, ya que para pertenecer, se demuestra mediante acciones y haciendo se es. Haciendo como es esperado por la mayoría.

Con respecto a la acción y el carácter, se genera una percepción diferente entre los personajes de la novela con respecto a Cuellar y del lector. Para los amigos del personaje (y no hablo del lector, sino de Choto, Chingolo, Mañuco y Lalo), el protagonista está moralmente perdido, en un abismo, en suciedad. Es por esto que no parecen sufrir su muerte. Sin embargo, una reacción distinta se da con el lector. Éste sí pudo identificarse con el protagonista, y lo figuró ínfimo en un mundo inmenso y desmoralizante. No juzgó a Cuellar ni a quiénes lo juzgan. La sentencia es de antaño, tiene antecedentes que para mí son inalcanzables, difíciles de identificar a ciencia exacta.

Hay un hecho en la novela de Llosa al que me gustaría remitirme: la “castración”. Como indican las pautas de la tragedia de Aristóteles, este hecho (quizás el más violento de todos) no está narrado de forma explícita, ni como si estuviera pasando en aquel momento. “(…) oyó aullidos, saltos, choques, resbalones y después solo ladridos, y un montón de tiempo después, les juro (pero cuánto, decía Chingolo, ¿dos minutos? Más hermano, y Choto ¿cinco? Más, mucho más) (…) se imaginaba que eran lisuras, idiota, por la furia de su voz, los carambas, Dios mío, fueras, sapes, largo largo, la desesperación de los Hermanos, su terrible susto. Abrió la puerta y ya se lo llevaban cargando, lo vio apenas entre las sotanas negras, ¿desmayado?, sí, ¿calato, Lalo?, sí y sangrando, hermano (…)” Los personajes cuentan este hecho de “boca en boca”, y no es instantáneo, sino que se indaga sobre éste y se arma la escena luego de que la tragedia ha sucedido.

De la misma forma sucede la muerte de Yocasta: “ (…) Y, después de esto, ya no sé cómo murió; pues Edipo, dando gritos, se precipitó y, por él, no nos fue posible contemplar hasta el final el infortunio de aquélla; más bien dirigíamos la mirada hacia él mientras daba vueltas.”

En ambos casos, la esencia del hecho está, más no así el grado de obscenidad que implicaría el detalle de la acción.

El último aspecto en relación a la tragedia y la narración en Los cachorros que quisiera destacar, es la presencia del coro en la tragedia griega. Éste interrumpe la acción constantemente y obliga al lector a volver sobre los hechos y reflexionar acerca de lo que ha pasado y lo que sucederá. El juego con los tiempos verbales en la narración (varía incesantemente así como el punto de vista) nos remite todo el tiempo a lo que pasó hace un instante, a lo presente y a lo que vendrá. A la incertidumbre, al qué hacer y al sentido final del accionar en su conjunto. El coro no genera una lectura fluida, sino que pone obstáculos en la lectura para enriquecerla, y esto, en Los cachorros, se produce con la narración no ortodoxa, que obliga a detenerse en cada onomatopeya, en cada gesto, en cada mirada.

A modo de dejar en claro todas las cuestiones referidas a la “poco ortodoxa narración”, me referiré a los teóricos de Susana Reisz. (Teoría y análisis del texto literario. Bs As. Edicial. 1989). Habla de los relatos “sin narrador”, en los que el narrador deja “solo” al personaje, callándose, para que éste, y solo éste asuma la palabra. Entonces, en Los cachorros, asumen la palabra muchas voces cuyos dueños desconocemos.

También el narrador adopta la forma de “narrador exterior al mundo narrado”: “(…) ellos se miraban de reojo, Lalo se reía (…)” y la forma de “narrador interior al mundo narrado” en primera persona: “(…) Aún no fumábamos (…) estábamos aprendiendo a correr olas, a zambullirnos desde el segundo trampolín (…)”.

Susana Reisz menciona otros modelos del uso de personas gramaticales, pero la esencia de Los cachorros es que existe una amplia mezcla de estas numerosas posibilidades.

Por otro lado, la autora se refiere a la distancia y focalización y propone varios modelos. También en este caso, se presenta una gran mezcla de estos puntos en la novela. Por ejemplo, “un focalizador exterior al mundo narrado que sin completar los datos de la percepción con hipótesis ni valoraciones implícitas se limita a registrar, a la manera de una cámara, los comportamientos visibles y audibles de los personajes y que, por consiguiente, permanece ´ausente´ es decir, ignorante de todo lo que ocurre en sus conciencias pero efectivamente presente en su calidad de focalizador.”: “(…) un Domingo invadió la Pelouse del Hipódromo y con su Ford ffffuum embestía a la gente ffffuum que chillaba y saltaba las barreras, aterrada, ffffuum”

Es infinito el nivel de análisis al que se puede llevar la obra, principalmente por el lado de las diferencias con otras lecturas. Dejándome llevar por el aspecto de la escasez de un narrador específico, desemboqué en un terreno ya transitado: el de la tragedia. Se cual sea la lectura que haga cada vez que relea Los cachorros, creo que siempre voy a sentirme cómplice los sucesos descubiertos días después de haber pasado la última página.

Martina Mainardi

L@s jóvenes necesitan arte

Solo los tarados no cambian de opinión

Para diferenciar la tragedia clásica de la tragedia de Lorca decidí hablar sobre distintos conceptos y marcar la diferencia en estos entre de los dos tipos de tragedia. En primer lugar me voy a referir a lo que es el héroe trágico. Dentro de La casa de Bernarda Alba podemos encontrar dos tipos de héroes trágicos: uno lo encontramos en Bernarda y el otro en Adela. La diferencia entre estos distintos tipo de héroe trágico es que Bernarda sería el héroe trágico de Lorca mientras que Adela sería el héroe trágico de lo que llamamos tragedia clásica. Esto lo podemos ver comparándolas con Edipo o Antigona y viendo, ya que estos tres héroes trágicos tienen cosas en común como que terminan mal: Edipo se saca los ojos y Antígona y Adela terminan muertas. En cambio, en Bernarda encontramos un héroe trágico pero no como se lo conoce en la tragedia clásica sino de lo que denominamos como tragedia lorquiana, porque Bernarda comete muchos errores durante la obra pero no termina de una mala manera.

Si hablamos de Bernarda podemos ver que ella no se da cuenta que está cometiendo varios errores como cuando en cuatro lugares distintos de la obra ordena "silencio", cuando hace encerrar a María Josefa o cuando calla a las hijas. En Adela podemos ver que su gran error es querer ser feliz a cualquier costo, estando con Pepe el Romano (supuestamente sin que nadie lo sepa) pase lo que pase.

Para pensar sobre la hybris además de hablar sobre Bernarda y Adela me gustaría hacer una comparación con un hecho ocurrido en la actualidad y que nos tuvo tan preocupados a todos los argentinos, que fue el conflicto entre el gobierno y el campo.

Finalmente y ahora si hablando sobre la actualidad vimos cómo nuestra presidenta no podía darse cuenta del error que había cometido sacando el decreto sobre las retenciones móviles y esto tuvo al país temiendo por lo que podía llegar a ocurrir. Si comparamos esto con los hechos en la obra que realizan Bernarda y Adela podemos ver que posiblemente por su soberbia, por su orgullo o simplemente por seguir sus pensamientos, sin entender que se puede cambiar luego de tomar un decisión (Carlos Bianchi director técnico de fútbol dice que solo los tarados no cambian de opinión) ninguna de las tres (o sea, Bernarda, Adela ni Cristina) se puede dar cuenta de su error. Acá es donde vemos la hybris, viendo como tres personas por la soberbia de su carácter no pueden darse cuenta de su error.

Para finalizar creo importante para terminar de entender la diferencias y/o similitudes, dentro de las diferencias me parece importante hablar del coro y en este caso vemos que en Edipo rey y en Antígona teníamos lo que sería un coro bien definido, en cambio, en La casa de Bernarda Alba no. En primer lugar no encontramos un coro propiamente dicho pero sí tenemos elementos en que podemos fundamentar que hay coro. Esto es por la forma de hablar de algunos personajes como la Poncia, que habla luego de distintos hechos produciendo una conclusión o adviertencias sobre estos. Si observamos bien la obra podemos pensar que la función del coro la realizan entre todos los personajes ya que en algún momento todos opinan o sacan distintas conclusiones sobre algún hecho puntual.

Para hablar de los personajes que dicen la verdad nombraría a tres personajes: la Poncia, María Josefa y Tiresias. En primer lugar nombre a la Poncia ya que lo que hace ella es decirle a Bernarda algo que está ocurriendo como cuando le dice a Bernarda: “siempre has sido lista. Has visto lo malo de la gente a mil leguas; muchas veces creí que adivinabas los pensamientos. Pero los hijos son los hijos. Ahora estas ciega”. En este momento indica que algo está ocurriendo y que esto podía traer incoveniententes pero no le dice qué es lo que está ocurriendo. Esto lo podemos relacionar con la forma en que Tiresias hablaba que al igual que la Poncia en este caso decía la verdad, indicaba que algo estaba ocurriendo o que iba a ocurrir pero no qué. Y después estaba en las personas a quienes se lo decían el creerles o no, como pudimos ver varias veces que a quien ellos le decían las cosas no les creían.

Finalmente voy a hablar de María Josefa y ahora sí explicar desde las miradas de este personajes el surrealismo. En el momento en que María Josefa tiene la oveja y dice que la oveja es su hijo y que iban a ir a Belén o en los momentos en los que canta y vemos lo lírico surrealista : “niño mío, vámonos a la orilla del Mar, la hormiguita está en su puerta, yo te daré la teta y el pan” o cuando dice “Bernarda cara de leoparda, Magdalena cara de hiena..”. En estos distintos cánticos o poemas que utiliza María Josefa podemos encontrar lo lírico surrealista dentro de la obra. Esto se ve pensando que estas cosas dejan de ser reales en algún sentido pero, al mismo tiempo, están siendo reales ya que nos están mostrando parte de la historia y esto yo lo pensé desde que en un momento ella dice “Bernarda cara de leoparda, Magdalena cara de hiena” y en el curso se dijo que nombraba a Magdalena porque sí, en cambio, yo pienso que la nombran ya que es la que más se asemeja a Bernarda en algunas actitudes.

Iván Ullmann

No la verdad no

de un examen...

No como el héroe trágico de hierro; no como el héroe pulcro de mente; no como el Nereo carente de maldad; no como el héroe inconciente que espera lo correcto de sus actos; no como el héroe que ignora, que se rinde por su cerebro inmacuado; no como el héroe que desconoce los riesgos y consecuencias que asume; no como el héroe poderoso, brillante, alto.

Sí, heroico este nuevo héroe tan suicida como surrealista. Tan porfiado como conciente. Tan persona.

Sí, como el héroe que tiene pechos de mujer y que se arroja al quiebre sabiéndose; sí, como el héroe que baila la danza del Martirio bajo la luz de la luna. Bajo una luna que no abarca ningún brillante, poder, reconocimiento, grandeza o cuerpo y mente pura.

Sí, como el héroe que evoluciona

Sino para sí

Sí, no para

Sino para sí

Si no para, si...

Leoparda no espera perder, y como sus habitantes, no tiene soluciones posibles que satisfagan completamente. Leoparda niega adrede, flotando sobre la libertad trágica que todavía envuelve. No espera consecuencias.

Moralmente execrables o no, angustia el dolor de los personajes, su estrangulación humana. No deja de arder.

Los personajes tienen nombres, sus deseos también llevan título. Sus estados de ánimo los ciegan y les corrompen la posibilidad de elegir correctamente (haciendo referencia al concepto de Hybris). No dejan de elegir, pero sus elecciones se limitan sucias opciones en alguna de sus aristas.

Palabra sobre palabra, en espacio intermedio que contiene lo que no se dice pero es la medida de cada palabra imaginada.

En un contexto preciosamente surrealista, Lorca da paso a la libre asociación, para que de esas palabras se tome cada una como elemento de otra. No nos encontramos frente a una metáfora, sino frente a una metonimia (un sintagma sumado a una metáfora).

Adela dice: “Las cosas significan siempre lo mismo”. Bien, y abarcan, y conectan, y arman, y desarman. Y vuelven.

No existe la comparación, sino la lectura de signos como otros distintos (así como sucede con el mar y la luna).

Martina Mainardi

Pax surrealista

El examen proponía:

"En cierto momento, Lorca republica un manifiesto de los surrealistas españoles que había escrito con Dalí y este último lo “acusa de “putrefacción intolerable” y, en la misma vía, escribió en L’Amic de la Arts sobre la necesidad de “combatir todo aquello que sea regional, típico, local”. Por entonces declara “el asco absoluto” que siente contra Platero y yo y subraya su desprecio hacia “el marasmo putrefacto en que se mueve toda esa promoción de Prados, Altolaguirre...”, incluyendo implícitamente a Federico García Lorca en esa “promoción”. En una carta que dirige a Lorca muestra claramente su intención de romper con todo y rechaza con crueldad el nuevo estilo de su amigo, dando a entender que sólo abraza el acto provocativo : “Tu poesía está ligada de pies y brazos al arte de la poesía más vieja. Tú quizá creas atrevidas ciertas imágenes y encuentres una dosis crecida de irracionalidad en tus cosas, pero yo puedo decirte que tu poesía se mueve dentro de las ilustres acciones de los lugares más estereotipados y conformistas.”

¿Defenderías a Lorca de la acusación de Dalí, a partir de lo surrealista leído en La casa…?"

Dijo Sebastián:

No defiendo a Lorca de las acusaciones de Dalí.

Defiendo a Dalí y me gusta mucho su trabajo y su ideología mucho más que Lorca.

Si bien La casa de Bernarda Alba se puede tildar de surrealista, creo que Dalí acusa a esta obra de poco inverosímil, poco transgresora, de poca tendencia.

La obra de Lorca me resulta a mí con visión de argentino, más realista que surrealista. Me parece que en el contexto en que vivimos los argentinos nos tildamos de “atrevidos” y a los europeos los nombramos como “fríos”, “rígidos”, “tradicionales” etc... A lo que voy es que Lorca como español, ciudadano europeo, se lo puede ver como una persona de tradición, y esto se lo podría agregar a la obra; podríamos decir que Bernarda en vez de estar loca o chiflada (como la vería el surrealismo), es una madre de cinco mujeres, de carácter estricto o rígido, típico de un español; de esta manera, no se encuentra la idea surrealista. También el ejemplo de María Josefa (madre de Bernarda) que es el personaje que parece está loco pero al mismo tiempo es tan sabio como Tiresias, el personaje que está en contra de su fuerte carácter, el personaje que está en contra de su política, del gobierno de esta “cárcel de mujeres”; así también Adela se puede sumar a esta lucha contra Bernarda pero teniendo cierto uso de la razón.

Los trabajos de Dalí son mucho más controvertidos que los de Lorca, él solo realiza sus obras teniendo como principal idea el no encontrarle una explicación lógica, una razón a cada uno de sus actos; esto es lo más interesante que puedo encontrar en él y es la base de todas sus trabajos.
Siguiendo este punto se podría cuestionar: ¿Dalí es español por su cultura y costumbre o solo porque nació allí? Creo que Dalí tiene todas las armas para disparar contra Lorca. Quizás sus trabajos fueron tan reconocidos por su contexto nativo, pero la batalla anti tradicional siempre estuvo. El surrealismo sólo existe para quien lo hace, es una forma de expresar sentimientos “contra lo correcto”... y así lo hace Dalí.

Su falta de razón lo caracteriza al igual que su provocación contra la racionalidad del hombre; su forma “original” (comparándola con la de los conservadores) de ver las cosas fue lo que lo volvió reconocido por la multitud.

Posiblemente halla que estar loco para estar vivir la realidad o esta realidad no exista; pero Salvador Dalí trata de explicar esto con cada pincelada de sus pinturas, cada oración de sus escrituras y cada imagen de sus películas.

Y Joy, en cambio:

Desde mi punto de vista, yo defendería a Federico García Lorca ya que en mi opinión , no hay nada mejor que su tipo de escritura surrealista, incluyendo cosas tales como el provocar importantísimas y diversas situaciones centrales para la obra a través de un personaje que no llama tanto la atención, como lo es María Josefa, o el hecho de la disputa absurda entre hermanas, por un hombre que obviamente no tiene ni idea de qué hacer, por el simple hecho de tener a más de cuatro mujeres que morirían por él, y que, de resaltar por sobretodo, son hermanas, es algo que aparte de ser surrealista, lo vemos alocadísimo. Por eso es que si Dalí opina lo que opina de Lorca es por que tiene una idea muy equivocada sobre la belleza de las obras y su perfecta composición.
El personaje que más bello me resulta, que es, aclaro, en mi opinión uno de los más importantes para el desarrollo, María Josefa.

En sus palabras se mezclan locura y verdad, ya que ella dice casi constantemente "¡Déjame salir!".Pero no solo lo dice así, sino que también incluye algunas otras palabras u oraciones que dejan mensajes mucho más claros pero con efectos más notables y bellos para la obra, como por ejemplo:

• Bernarda, ¿dónde está mi mantilla? Nada de lo que tengo quiero que sea para vosotras, ni mis anillos, ni mi traje negro de moaré, porque ninguna de vosotras se va a casar. ¡Ninguna! ¡Bernarda, dame mi gargantilla de perlas!
• Me escapé porque me quiero casar, porque quiero casarme con un varón hermoso de la orilla del mar, ya que aquí los hombres huyen de las mujeres.
• No, no callo. No quiero ver a estas mujeres solteras, rabiando por la boda, haciéndose polvo el corazón, y yo me quiero ir a mi pueblo. ¡Bernarda, yo quiero un varón para casarme y tener alegría!
• ¡Quiero irme de aquí! ¡Bernarda! ¡A casarme a la orilla del mar, a la orilla del mar!

Con esto ella agranda líricamente los problemas centrales; algunos, como la frustración de las mujeres, la necesidad de matrimonio y de que llegue el momento en que sean madres, la constante búsqueda por necesidad de libertad, de muchos espacios abiertos, etc.…, que básicamente son la base de la obra en cuestión, que es desesperante.

Y Martina, también:

(Con respecto a la acusación que Dalí hace a Lorca por considerar su surrealismo “poesía ligada de pies a brazos al arte de la poesía más vieja”)

¡Objeción!

Los que se pudren, señor Salvador Dalí, son sus relojes a través del tiempo.

Lorca escribe personajes carentes de conformismo. Representa deseos en personajes de todos.

Bernarda Alba vive en una cápsula idealizada del concepto humano y desea imponer su modelo de pureza no solo a sus paredes sino a las habitantes de la casa. Federico García Lorca tiene una cínica compasión al poetizar la decadencia y el individualismo humano. Con la exageración refleja a través de la arena el propio desgaste ridículo de las personas.

Blancas e inmaculadas paredes, colores efímeros que nunca regresan. Luto, asco, miedo.

Manipula lo zúrrela repartiendo el coro de la tragedia clásica entre sus personajes, adjudicándole a cada uno la tarea de mostrar conclusiones didácticas de sus acciones.

Cada uno lo dice a su manera, pero, como en el caso de María Josefa y la Poncia (que no difieren demasiado en sus denuncias), hablan en un lenguaje para el lector, un lenguaje, una poesía que los personajes no están preparados para entender. Une con Tiresias a María Josefa el grado de metaforización que maneja, los decorados a través de los cuales los personajes no pueden ver.

La falta de cordura de una señora que quiere casarse en el mar a sus ochenta años y que quiere ir al límite de la vida con una oveja-niño me resulta un asunto verdaderamente devastador.

Señor Salvador Dalí, si usted solo puede encontrar el surrealismo en algunos objetos derretidos, el problema es suyo.

Sus relojes ya son típicos, aunque debo confesar que me encantan.

Cláveme un cuchillo si es de su agrado, pero no lo diga más.

Apagones

Apagón I

Ella, adherida en los cristales

Ella, caminando sobre el último telón

Ella, fragmentando el ardor todo

Todo, peste para ella

Todo, acribillados expectantes

Todos, un respiro cloacal

Todos, menos

Ella

Todos, sabremos igual.

Apagón II

Ella es la que vive

Ella es la que muere y la que puede

Ellos los fantasmas

cuáles los fantasmas

que quedarán, qué quedarán.

Ella que camina

entre tanto muerto

Ella ya en el limbo

pero de vivir tan viva.

Apagón III

Cuál la medida de mi verso

Por dónde mi sucia esperanza

Acariciándome la cara

Qué maravilla la ilusión de sentirme una vez mía.

Días pálidos

Días fuertes

Días llanto

No tengo cuerpo que tocar, no hay nadie para mí.

Todo es espectro

Todo es espectro

No tengo voz para cantar

Y sueno tan grave

Aún siendo tan aguda

Todo es espectro

Todo es espectro

Así sin sosiego

Eterna en el polvo

Así muerta por vivir

No me arrepiento de vivir

Por el día pálido

Por el día solo

Por el día llanto

Yo daría mi muerte.

Apagón IV

Es mi código poético

Mis sábanas de antaño

Mi lienzo de adjetivos

Que para mí son emociones.

Casi vomitivo

Escuchar no otra cosa

Sino aquella cosa

De ora forma,

Desacralizando mi mensaje,

Mis palabras

Que tanto había cuidado y amamantado

Que tanto llanto me regalaron.

Clausuran mi vuelo

Que enferma me siento

Una vez desentendida la codificación de mi obra.

Que heridas insondables

Cada vez que se deshonran mis palabras

(Que tanto quise

Que tanto quiero

Las quiero tanto)

Aún habiéndolas sacralizado.

Sucede que mi obra tendría que ser una comedia,

Una suerte de telenovela, tal vez...

Pero no deshonraré mi tragedia.

No estoy lista para dejar mi tragedia.

Apagón V

Redúzcanse al uno

Sean nada, por el todo mismo.

Despójense de sus nombres

Sean,

No de una manera.

Quemen sus textos

Desnuden sus verbos

Vuelen,

En prosa

Vivan en el conflicto, no en el tiempo.

Tienen el derecho

¡Mueran!

Y para mí sean efímeros.

Apagón VI

Las nubes son más rápidas que mi cuerpo

Porque para mis adentros estoy galopando.

Soy pálida

Porque por dentro soy de colores tantos.

Estoy perdida para ellos

Porque tengo mi obra tan en claro.

Soy lo que soy para mí y por mí.

Cuando me miran veo ciegos.

Estoy apagada porque me estoy quemando.

Martina Mainardi

Morir de lo mismo

En la obra de Federico García Lorca el ¨bueno¨ sufre y al ¨malo¨ no le pasa nada. Esa es una forma de ver las cosas, Bernarda, la madre opresora, no sufre ante la muerte de su hija y nada en ella parece cambiar: desea ocultar la muerte de su hija de la misma forma que tapa sus sentimientos, los de las hijas. Y Adela, el personaje bueno bondadoso gentil e inocente, muere.

Sin embargo uno, refiriéndome a mí mismo y otro que comparte mi opinión, puede no verlo así porque de echo en la historia Adela, el personaje que muere, si bien lógicamente sufre por su muerte es el único personaje que se libera de la opresión de Bernarda es la única que al morir logra vivir, abandona su mundo de opresión y tristeza para pasar, con la muerte, a una libertad infinita. Es decir, con la muerte consigue la vida.

En cambio, Bernarda, el personaje que supuestamente es libre ya que no obedece a nadie y lidera a su familia, es la que más muerta queda. Es decir, queda en lo mismo, la muerte de su hija no produce ningún cambio en su vida, no la hace estremecerse de tristeza ni gritar por la pena, no, solamente la hace querer ocultar la muerte, impura (por no morir virgen), según ellla, de su hija.

En este momento uno puede sospechar que Bernarda va a salir de su ignorancia y reconocer su error y cambiar en su forma de ser, pero no lo hace porque así como esa obra no es una tragedia común, este no es un personaje común que evoluciona, reconoce y se sustituye (en relación con el género) por uno que no reconoce porque no desea hacerlo y que no cambia porque tampoco lo desea.

Según Aristóteles el héroe trágico cae en desgracia por algún error fatal, la hamartia, pero… ¿cuál es el error fatal que comete Adela? ¿Qué hizo que la lleva a su muerte?

El error de Adela es simple, quiso vivir en un mundo de muertos, quiso decidir por sí sola en un mundo donde decide el rey (Bernarda), trató de hacer lo que su corazón quería y no lo que su madre quería. Uno en este caso se pregunta si todo lo que hizo Adela puede ser considerado un error. En su mundo sí pero en el nuestro no. Y aquí es donde volvemos a entender que Adela no calló en desgracia, Adela vivía en desgracia y es gracias a ese terror fatal que logra librarse de la desgracia y conseguir la libertad.

En la tragedia clásica y también en la de Lorca los personajes que dicen la verdad son pocos ya que generalmente todos los personaje están en el engaño y la negación. Esos personajes hablan con metáforas para decir las verdades, pero dentro de estas metáforas usan palabras simples. Lo que confunde más a los demás personajes que no entienden sus palabras por más simples que sean. Por eso se los tilda, generalmente, no de sabios sino de locos.

Además el único que las puede entender es aquel que logra liberarse de la ignorancia, aquel que tata de entenderlas y ver cómo solucionar sus problemas y no el que quiere que las pálabras le solucionen los problemas. El único momento en el que los personajes pueden entender las palabras de los sabios es cuando ya es tarde y cuando han pagado el precio de la necedad.

En la tragedia de Lorca el personaje que dice la verdad es María Josefa, la madre de Bernarda, la abuela de las niñas, el personaje más viejo y lógicamente con más experiencia de vida. María Josefa utiliza, obviamente, la metáfora en sus frases: "ni tu ni yo queremos dormir, la puerta sola se abrirá. Y en la playa nos meteremos en una choza de coral"…

Ella es la voz del deseo, la que nos anuncia el conflicto que se avecina y la que habla por los que no pueden hablar. Con sus palabras uno puede entender lo que está ocurriendo; es, con todas las diferencias, el Tiresias de Lorca. Es, también, el personaje que a través de la lectura más vida y más luz emana. Uno solo con leer sus palabras ve la emoción del personaje y la vida que irradia demostrándonos que solo se puede lograr la felicidad hablando la verdad y no callándose nada.

Kevin Grünbaum

La casa de Bernarda Alba

Adela es (si pensamos en las hijas de Bernarda) la que tiene un carácter más agresivo lucha por sus ideales, no puede permitirse que su madre consiga separarla de Pepe el Romano (la persona a la que ella ama) y para eso iba a pelear contra su madre, y no va a permitir que oprima sus sentimientos, antes de que logre eso, ella decidirá suicidarse.

La contracara de Adela claramente es Bernarda, que lucha por lo que cree que (supuestamente) es lo mejor para sus hijas, su imagen en el barrio y su status, pero en realidad les está haciendo un mal ya que está sacándoles la posibilidad de conocer el mundo fuera de su casa, conocer hombres y hacerse respetar por sí mismas.

La identificación con el personaje de Adela es muy difícil, debido a que es raro el contexto en el que vive, no nos identificamos quizás con tener que luchar contra una madre opresora, los lectores la reconocemos como una luchadora de la vida y es ahí donde podemos encontrar sentimientos, pero a la vez una terca, todo ese carácter que demostraba en el transcurso de la obra termina de forma tal que sentimos su rendición ante su madre que consigue lo que quiere, (separar a su hija de Pepe el Romano y que esta sea virgen). Y es allí donde, al ver la impotencia de nuestra heroína, reconocemos la peripecia de la obra y el espectador siente la catarsis al ver que todo terminó placentero porque por lo menos una hija se libero. En tu texto hay claramente una contradicción: hablás de la "impotencia de nuestra heroína", que "vemos la peripecia" (esto se entiende: cómo queriendo liberarse termina "rendida ante su madre que consigue lo que quiere" etc.) pero después decís que "por lo menos una hija se liberó". Son dos hipótesis de lectura válidas, pero contradictorias y excluyentes, implican dos posicionamientos ideológicos ante el discurso de la obra diferentes. La coherencia de la explicación exige una definición por parte de su autor (o sea, vos).

Maria Josefa (que es un Tiresias en la obra) advierte la realidad en forma muy poética, y hay un coro que intenta poner en el camino correcto a las hijas de Bernarda avisándoles cómo es el mundo exterior, en esta obra es La Poncia. Estos dos personajes intentan ayudar (no es necesario que haya sido concientemente) a que las heroínas atraviesen el proceso al que se le llama anagnórisis, y es la transición de la ignorancia al conocimiento. Este proceso Adela lo cumple y el punto final del proceso es la decisión de no vivir en estas condiciones.

La Poncia es un personaje que dice la verdad pero esta no tiene la personalidad para impulsar a las hijas de Bernarda a revelarse y ella tampoco tiene las agallas para hacerlo. Se muestra interesada en contarles las experiencias que se viven en el mundo fuera del mundo de Bernarda pero a la vez se muestra con la dueña de la casa como una persona de confianza a la cual le puede pedir consejos.

María Josefa es un personaje que sale de la realidad de la obra, en un contexto de personajes chatos, sin muchas ideas ni ideales y con mentes muy cerradas, la madre de Bernarda se destaca por su poesía y su originalidad al hablar.Y con el concepto del resto de los integrantes de la casa, que piensan que esta está loca, al entenderla nosotros, vemos que es el personaje más inteligente de la historia. Es el Tiresias de Edipo Rey pero esta es menos oída aun.

Muestra su odio sobre Bernarda le dice que tiene cara de leopardo, y muestra que no le tiene el amor que le tendría que tener a una hija “La hormiguita estará en su puerta, yo te daré la teta y el pan” Puede ser que no se comprenda esto dentro de la historia pero cuando lo analizamos nos darnos cuenta de muchas cosas. No siente que Bernarda fue una hija a la que haya podido disfrutar, amar y alimentar con amor, pone a una hormiga o a veces a una oveja como una nueva hija, dando a entenderle que no tiene otra hija mas que estos animales.

En un momento de la obra María Josefa habla con Martirio, una de las hijas de Bernarda y le dice claramente que por ser hija de Bernarda y acatar sus órdenes no iba a poder disfrutar de tener un niño y le hace entender que ella disfruta más de una oveja que de la hija que había parido, pero obviamente lo dice de una forma más poética: "…Ya sé que es una oveja. Pero, ¿por qué una oveja no va a ser un niño? Mejor es tener una oveja que no tener nada. Bernarda, cara de leoparda. Magdalena, cara de hiena…"

Cree que la dictadura de Bernarda acabará, por eso dice: "…La puerta sola se abrirá y en la playa nos meteremos en una choza de coral... Anunciando que ella se escapara y podrá disfrutar nuevamente de lugares tan lindos como una playa y al fin salir de la habitación en la que estaba encerrada."

Si los héroes trágicos consiguieran encerrar a los Tiresias, a las Marías Josefas, el lector se perdería de las predicciones de un personaje de adentro de la historia que son muy sabios y nos asombran. María Josefa no podía estar encerrada, ella lo dijo quería libertad: "…Yo quiero campo. Yo quiero casas, pero casas abiertas…"Adela tenía el mismo objeto de deseo que Maria Josefa, ambas querían ser libres, liberarse de Maria Josefa para vivir una vida independiente, tener novios, casarse, tener hijos y a pesar de esto, dentro de la obra Maria Josefa (el personaje mas viejo ) y Adela (El personaje mas joven) nunca se cruzan.

¿Que hubiese sucedido si María Josefa le hubiese pedido que le abriera la puerta a Adela en vez de a Martirio? ¿Se hubiesen escapado juntas?, ¿ o Adela no la hubiera comprendido?

Las palabras más sabias de la tragedia, al fin, las invocan personas sin mucho protagonismo en la historia pero que en su poca participación logra sorprender al espectador, hacernos entender que ellas son los dueños de la verdad.

Y así, a pesar de que había personas que podían poner en aprietos la autoridad dictatorial de Bernarda, ella logra mantenerse en pie, debido a que en el momento que parecía que la rebeldía de las hijas la iban a sobrepasar, se termina todo con la muerte de Adela y el silencio y la tranquilidad vuelve a reinar, "La hija de Bernarda murió virgen".

Matías Lerer

El PERRO ANDALUZ

Ayer viendo Los Simpsons encontré una escena en la que Lisa y demás veían en un cine el trabajo de Buñuel y Dalí. Busqué el episodio en youtube y no estaba... pero encontré imágenes de este:

Me han dicho que dicen que dijo

Por estos días hemos estado publicando unos trabajos sobre Ubú Rey, la obra del patafísico Alfred Jarry, que son fruto de un experimento.

La cosa era tener un registro escrito de lo que se había leído colectivamente (varias clases comentando la obra en el aula), porque se estaba volviendo difícil que estuviéramos tod@s junt@s por diversos motivos de ausencias.


Así que usamos una herramienta de google, que son los documentos en línea. Subimos la obra de Jarry y la llenamos con los comentarios de cada uno sobre lo que habíamos estado discutiendo en clase: las maneras que tenía Jarry de quebrar lo que era el modelo de la representación realista.

De ese material construido entre tod@s, duplas de compañer@s tuvieron que hacer de ello una elaboración personal, que implicaba una selección y con ello un reconocimiento: citar a l@s compañer@s cuando usaran algo dicho por ell@s. La idea era -claro- aprender a citar. La voz de un compañero es algo que se inserta con menos artificialidad que una voz todavía ajena como siempre permanecen las de las fuentes consultadas en una investigación.

Por otra parte, algo fundamental cuando se cita es lograr cierto valor agregado, que no reduzca nuestro trabajo a un hablar por boca de ganso.

"¡Mierdra!"

Picarones, otra vez cayeron en la trampita de Freddié. "¿Con esa boquita dices madre, Ubú?" pensaron, hasta que vuestros ojos se tropezaron con la r y se dieron cuenta que los malpensados eran vosotros, lectorcitos. ¿Qué tan instruído, generoso, solidario, cariñoso, amable, y buena persona eres? ¿Acaso no eres tan mugroso como ese títere? ¿Acaso tus ropas no están hechas de la misma tela? En este mundo las palabras no son lo que parecen, si las lees literalmente vuestros ojos aterrizaron en el lugar equivocado.

Las palabras deformadas suenan lejanas a nuestra lengua, pero están mas cerca de lo que creemos. En la estetica realista, las palabras y su significado existen a priori en la realidad, pero según Albert Camus "la realidad es inherentemente absurda y tal es su sentido". Es más, Jarry busca mostrar lo deformes que somos como suciedad, porque patafísicamente hablando "todo fenómeno es individual, defectuoso e inagotable". A veces las palabras deformadas revelan mas profundamente el sentido de lo que se quiere decir.

Ubú no es ni vulgar ni malo, ¡si es gracioso! Los malos no son graciosos. ..la malvada es madre Ubú que le lava la cabeza a Padre y de tan mojada que la tiene ya no puede ni pensar el pobre. Toda esa maldad ¿para qué? Solo por un mugroso paraguas y una capa, ¡ni que fuese un Super Heroe! ¿Por esto están dispuestos a matar, a destruir cuidades? ¡Él sí que se fija en las pequeñas cosas de la vida! En otras palabras, como diría la colega Martina Mainardi a las 9:45, existe una ridiculización del poder. Se rompe la estética realista a través de una hipérbole, es decir, la exageración del valor de ciertos objetos. Una capelina es atributo de poder.

"¡Por mi chápiro verde!" ¿Se pregunta qué significa, don burgués gentilhombre? Moco, cera, vela, bla bla bla. Es absurdo, en este género no existe justificación a las acciones.

"Helado en molde, ensalada, fruta, postre guisado, tupinambos, coliflores a la mierdra" A Octavio Krause le parece poco elegante que un hombre de la realeza utilice un vocabulario tan poco refinado. Al entrar al mundo propuesto por Jarry, este tipo de situaciones no nos extraña, ya que mientras leemos escuchamos constantemente un crac! en la relación causa-efecto.

Así que... si todavía busca entender por qué "chapiro verde", vaya a leer Macbeth y compre un diccionario gíglico/español.

Brenda Kreizerman y Georgina Pecchia

Degenerando

I) Ubú quiere ser rey por una capelina, un piloto, un paraguas.
II) Ubú se expresa con frases como "¡Por mi chápiro verde! o como "¡Mierdra!".
III) Ubú espanta a los invitados de su casa con golpes de costillas de rastrón y a escobazos, luego de introducirles una elegante cena.
IV) Ubú aspira a ser un rey desagradable, corrupto, desmedido, cobarde, irrespetuoso y holgazán.
Quién entiende qué y cómo lo entiende. Qué entendemos por entendido y qué entendemos por entender. Más hay en lo que no se dice que en lo que desde el nacimiento late abierto a todos. A todos los conformistas. Somos animales del lenguaje. Insaciables, sujetos a buscar sentidos a las palabras, a las cosas, a las palabras y las cosas. Si se deforma, y por todos es visto deformado. Hay una forma preexistente, entendía en común. El sin sentido es engendrado en la resistencia de uno a interpretarlo. Ubú rey, de Alfred Jarry, rompe con la estética dramática realista para ofrecer una representación realista disfrazada (absurda) que llama a desnudar la vista y descubrir la belleza del drama cotidiano. La trsiteza nunca desaparece, solo cambia de forma. Queda tras capas de hipérboles, incoherencias, abusos, contradicciones.
Hay algo que no se dice, algo que no necesita ser dicho. Algo que de ser dicho, sería incomprendido y carente de intérpretes. Jarry hace sobre lo concreto, y desde un absurdo acordado entre él y el lector, la interpretación nunca es descartada, sino que es omnipresente desde el "había una vez"... Jarry demanda con cierta sutileza, con un código decodificable para quien tiene el coraje.

Como dice Brenda Kreizerman, "un personaje que pronuncia constantemente la palabra "mierdra" (estamos hablando de Ubú rey), desestima su grado de maldad aunque su rol sea el de alguien sin bondad alguna. Este juego estilístico del lenguaje licua la censura y pone al lector en una trampa. Este humor tan especial suspende el juicio moral, y el inocente lector es quien le agrega el tono escatológico a la obra". O en palabras de Georgina Pecchia, "Es esta deformación de las palabras una de las formas que utliza el autor para romper con el realismo". Gracias al lenguaje disfrazado de la obra, se entrega al mundo el maravilloso regalo de la suciedad humana. Este grotesco, este absurdo que devora las páginas de la obra, no es más que un reflejo de nuestro propio desentendimiento. No es más que el género de nuestro género, el aplauso repelente a todos y cada uno de los portadores de rostros.

Martina Mainardi

Realismo era el de antes

Si en medio de muertes, guerras y tragedias uno se ríe a carcajadas, claramente nos encontramlos ante una obra poco realista. Leyendo Ubú Rey se percibe algo distinto.

Comenzamos a leer. Primero, la brevisima biografía de su autor Alfred Jarry: raro, como lo describen algunos historiadores de literatura. Jarry es quien supo combinar la estructura narrativa del drama clásico, con el humor, y la ironía elegante con la grosería como dice Christian Ferrer, en "Patafísica y conocimiento". Esta mezcla de géneros y estados de ánimo es lo que hace a Ubú rey, indefinible.

Si seguimos, nos encontramos rápidamente con los personajes, que todavía, sin descubrirlos no nos dicen demasiado.Madre Ubú, Padre Ubú. Qué es Ubú?

Y comienza: "¡Mierdra!" ¿mierda? mierda ¿Está diciendo mierda realmente? ¿O somos unos malpensados?

Jarry lo tenía todo planeado... deformar las palabras desestima el grado de maldad del personaje, lo ridiculiza, le quita fluidez a la lectura y a la vez, licua la censura. Se trata de un juego estilístico del lenguaje que pone al espectador en una trampa, siendo él el que pone lo "sucio" del texto y no el autor.Decir mierda en esa epoca estaba absolutamente mal visto.

Muchas veces, a lo largo de la obra nos encontramos con esta palabra:

PADRE UBU - ¡Mierdra!

MADRE UBU (aparte) - ¡Oh! ¡Mierdra! (Alto.) ¿Así pues, vas a continuar de pordiosero, igual que una rata, Padre Ubu?

MADRE UBU (sola) - Jodre, mierdra, se ha resistido a la descarga, pero Jodre, mierdra, sin embargo creo haberle resquebrajado. Gracias a Dios y a mí misma, quizás en ocho días sea reina de Polonia.

MADRE UBU (encogiéndose de hombros.) - Mierdra.

PADRE UBU - Mierdra, mierdra, mierdra. ¡Largo! Qué bien lo hago.

CAPITAN BORDURE - Considerablemente, señor, salvo por la mierdra.

PADRE UBU - ¡Eh! La mierdra no era mala.

MADRE UBU - ¡Bola de mierdra!

PADRE UBU (entre bastidores.) - ¡Ah! iMierdra!

Nunca nadie diría tantas veces la misma palabra, es poco real. No es exactamente un error del autor, sino que usa este recurso de repetición para hacer más delirante la obra, y acentuar las características de los personajes: quejones, autoritarios, ridículos, asquerosos.

Seguimos nuestra lectura, y a veces nos sentimos culpables por reírnos de la desgracia de los Ubúes, pero hay momentos en los que no se sabe si los personajes hablan en serio o irónicamente. Madre UBú " ¡Ah! ¡La ternera, la ternera, la ternera! ¡Se ha comido la ternera! ¡Socorro!" ¿Qué clase de persona cuerda y sobria gritaria de esa manera , solamente por un pedazo de ternera? Entonces, aquí se presenta otro recurso. La exageración de diálogo y de acción, que hace nuevamente al lector reírse de la desgracia de los personajes.

PADRE UBU - ¡Por mis velas verdes, te voy a arrancar los ojos!

TODOS - ¡Oh! ¡Ay! ¡Socorro! ¡Defendámonos! ¡Maldita sea! ¡Muerto estoy!

PADRE UBU - ¡Oh! Mierdra, voto a bríos, Por mis velas verdes, estoy descubierto, me van a decapitar. ¡Ay de mí! ¡Ay de mí!

PILE - ¡Hurra! Se está desangrando.

MADRE UBU - ¡Oh! El muy traidor, cobarde, malo, y roñoso tipejo.

PADRE UBU - ¡Ah! Me cago en los pantalones. ¡Adelante cuernomirechulez! ¡Matagg, sangrad, desollad, aniquilad!

MADRE UBU (golpeándole también.) - ¡Toma! ¡Capón, puercón, felón, histrión, bribón, porcachón, almohadón!

BOUGRELAS (golpeándole) - ¡Toma! ¡Cobarde, pordiosero, bribón, impío, musulmán!

PILE - ¡Ah! ¡Me muerde! Oh señor, salvadnos, muerto soy.

PADRE UBU - ¡Un oso! ¡Ah! iBestia atroz! ¡Oh, pobre hombre! Heme cogido. Que Dios me proteja. Y viene hacia mí. No, es a Cotice al que agarra.

Al parecer, padre Ubú es el fuerte que consigue sus deseos y sus ambiciones, el más malo y el dominador.Pero más allá de esa primera imagen es su mujer la que lo controla, alimenta su maldad y lo humilla. Lo cree poco hombre si no mata, y poco valiente si no va a la guerra. Atrás de esta pareja cruel, se ve un matrimonio convencional y bastante triste, cual hombre borracho esperando la cena (Homero y Marge).

PADRE UBU - ¡Ah! Madre Ubu, no entiendo nada de lo que dices.

MADRE UBU - ¡Eres tan burro!

PADRE UBU - ¡Realmente! ¿Y qué más? ¿Es que no tengo un culo como los demás?

PADRE UBU - Sí, Por mis velas verdes. Me me muero de hambre. Madre Ubu, estás bien fea hoy. ¿Será porque recibimos gente?

Y cuando nos vamos acercando al final, y sabemos que ya quedan pocas paginas por recorrer, los Ubúes empiezan a entrar en razón, los personajes evolucionan, se van a España y dejan sus conflictos, ambiciones, su lugar y sus enemigos. Quizás, esto es una oportunidad para también renovar su vínculo como pareja.

PADRE UBU - ¡Ah! ¡Señores! Por bello que sea no vale lo que Polonia. ¡Si no hubiera Polonia no habría polacos!

Dana Lerner y Milena Tarica

Contre tous

Ubú esta contra todos y contra todo.. , ¿a que nos referimos con ubu?: ¿a la historia de Ubú rey o el personaje Ubú rey?

Ambos, ambos están contra todo porque mientras Ubú se pelea con el mundo inventa palabras y rompe con el estatuto del personaje, la obra en sí rompe la estética realista.

Esta es una clara muestra de la fusión que existe y de la relación que hay entre un personaje de la obra y la obra en la que se encuentra, porque, es posible tener un personaje violento en una obra pacífica o un personaje elegante en la más cerda de las escrituras.

Es la clara expresión del autor que vive su obra, el personaje que vive su obra, la obra que invade al personaje y el autor que vive su personaje. Jarry vivió como Ubú, Ubú vive como Jarry. Ubú es como todos y como ninguno, como dice nuestro compañero Matías Ankia ¨él es una persona que se maneja por conveniencias, es capaz de traicionar a su esposa con tal de salvarse el mismo” , digamos, él es como cualquiera de nosotros y aprovecha todo lo que tiene, trata de sacarle provecho a todo sin importar lo que pase. Pero, a su vez es un personaje único con rasgos que lo hacen diferente a las personas comunes, inventa palabras, se contradice y se sobreestima, y asesina a cualquier persona que lo mire mal.

Una de las cosas mas impresionantes de la historia es el hecho de que al persona que incita a la violencia en esta historia es madre Ubú, personaje que en el resto de la historia se muestra como pacífico, con esta acción Jarry logra, una vez más, romper con todos los status de cualquier obra, cualquier género, donde generalmente cuando hay un malvado aparece una mujer para calmarlo y hacerlo bueno. Pero aquí la mujer es la incitadora a la violencia es el personaje cuya mente siniestra activa una maldad latente existente en padre Ubú es, de alguna forma, la culpable por todos los asesinatos.

¿Ubú es “malvado” ? Sí, lo es, porque si bien sus acciones son como las de un niño que no tiene idea de lo que hace o de lo que va a pasar, no tiene justificación para tal violencia, es violencia injustificada, la peor de las violencias. Ubú al no tener móvil para las acciones y al tampoco establecer relación entre la causa y el efecto de sus acciones, como dicen Malosetti y Molina, genera rechazo: uno, generalmente, en las obras donde aparece un personaje principal malvado se identifica con este y hasta llega a comprender sus acciones, al poder justificarlas. Pero con Ubú uno no puede, no entiende, no nos deja entenderlo, y eso es lo que hace Jarry, nos hace no poder relacionarnos con el personaje, no podemos aceptarlo nos alejamos de él y eso es una de las principales formas de ruptura en la obra. Una obra en donde el personaje malvado es juzgado aun por el lector, cómplice histórico de los malvados.


En esta obra el autor, los personajes y los lectores están tous contre tous.

Kevin Grünbaum y Matías Celasco

Esta boca es mía

Ubú Rey es uno de los libros más famosos de Alfred Jarry debido a que este presenta varios quiebres del realismo, lo cual fue algo muy revolucionario para la época. Esta obra está repleta de comportamientos inverosímiles respecto de las costumbres, modos y normas sociales.

Desde el comienzo del texto Alfred utiliza el recurso de inventar palabras, alterar o deformar las conocidas. Esto se muestra con el famoso y escandaloso "Miedra" que, como dijo nuestra compañera Brenda, funciona como un disfraz de la palabra original que "Desestima el grado de maldad del personaje, licua la censura. Se trata de un juego estilístico del lenguaje que pone al espectador en una trampa. El humor en la obra suspende el juicio moral, poniendo en juego el hecho de que "los malos no son graciosos". Como en este caso ("mierdra") y en otros en toda la obra, se ve una deformación de las palabras y construcciones sintácticas.El espectador es quien le pone lo mugroso al texto (en términos morales)".

Otro recurso que se utiliza es cierta falta de proporción entre las causas y los efectos. También propone una metáfora en lo absurdo. Esto se muestra en la escena II del tercer acto. A pesar de que esta escena muestre un acto de inverosímil a su vez no es tan distinto de la realidad. Pondríamos comparar a Padre Ubú como cualquier tirano de nuestro mundo que es capaz de asesinar a todo quien se oponga a sus pensamientos o simplemente con el fin de obtener más poder.

En el enfrentamiento entre Ubú y los Rusos se muestra otro elemento que rompe con el realismo. Hay una contradicción entre los dichos y los hechos ya que Ubú está a punto de morirse y luego al instante esta más vivo que nunca y tiene todas las fuerzas para pelear. En la escena I del Acto V Madre Ubú llama a Padre como "Mi muy respetable esposo" en lo cual se muestra el elemento de exageración ya que Ubú era una persona poco respetada. En un momento de la obra Madre Ubú comienza a quejarse porque los invitados no llegan a tiempo y sin justificación alguna Ubú le responde de una manera agresiva. Este comentario como dijo Kevin no tiene un sentido lógico. Además es uno de los primeros comentarios agresivos de padre Ubú, y no tiene sentido ya que aquí hay una clara falta de reconocimiento móvil en las acciones.

En el principio del texto aparece otro comportamiento inverosímil, como dijo Kevin, Ubú en un principio no entiende las incitaciones de Madre Ubú a la violencia haciendo parecer que esta en contra de ella. Aquí se muestra una vez mas, la violación del estatuto del personaje. Además "El hecho de que los personajes actúen diferente a lo que se espera de sus estatutos señala una hipérbole en la obra, que aparece constantemente. La obra misma se identifica como una exageración, como una representación abusiva de los hechos. Los elementos escatológicos de la obra, como la suciedad que se genera en la deformación de las palabras (por ejemplo, en mierdra), señala un anacronismo (incoherencia entre elementos, acciones, lenguajes, etc con la época). Todos los casos que se presentan en la obra que constan de incoherencia/falta de justificación de los hechos/ desproporción entre causas y efectos, son grandes elementos irreales en la escritura de Ubú Rey. Aparecen diálogos y representaciones escenográficas inverosímiles con las costumbres, modos y normas sociales. Toda la obra está regida por el recurso del absurdo", en palabras de Martina.

Matías Ankia y Agustín Meirin

Bernarda en Youtube

Trabajo Irreal sobre la inverosimilitud en Ubu Rey

La defromacion de la pabralas muestra en el testo el subralismo de la obra. Lo podremos obserbrar en pabralas como “mierda”. La faltra de lenguaje de la realeza cofundre al lectror. tambien el uso exesivo de oraciones sin sentido, raras e inventadas por Padre Ubú, cono por ejelplo , "voy a afilar mis dientes en tus pantorrillas", que sentido tienen esa estrecion ? , acaso los dentes se aflian ? , y de ser asi, se puede afilar en las pantrotillas ?."voy a pisarte los callos", como sre pistan lor callos ? sre pisran los pieses, prero no los callos.
El sigrietne prafaro puerde unrisre a este por la falta de relación lógica, de las palabras arriba como fundamento de esa relación lógica a los vínculos entre las acciones (causa-efecto, carácter-deseo-móvil, etc.) En gral. fíjense en cómo encadenan un párrafo al otro, que no sea una pura enumeración sino que haya un razonamiento que de uno lleve al tema del otro y así hasta la conclusión final. Lo marco acá pero hay que trabajarlo hasta el final (en general, la relación no está explícita).
Con la cadrencia de drinero que tenia Padre Ubu es inentrendible qu despredicie un gran banquete de comidra, y mas si la desperdricia en persodras como los partidarios de Bordura que eran los que lo iban a ayudrar a matrar al Rey.
Tambin quieblra le ralismo elecho dre quel Un consejo: cada parte puntual de la obra puede mostrarnos un procedimiento específico, entre todos el efecto es el quiebre del realismo, pero no se puede afirmar que una zona en particular del texto pueda tener sola tanta fuerza para por sí quebrar toda una postura estética, una coherencia sobre la que además, va a tender a apoyarse la lógica del lector por inercia. Entonces, aludan a los procedimientos para cada zona en particular y cuando refieran a todos ellos en total pueden hablar, ahí sí, de la ruptura con la estética realista. ¿Se entiende? Padre Ubú pidre ayudra a Bordura ,kre es le soldadro dre el Rey, parra quer subra al trorro ,cuandro él (Bordura) podria ser el niuevo rey;
Es mui drificil que albien no tengra codricia de podrer, y nas algrien con dreseos de relevion.
A partrir de estros sechos Padre Ubú nos dejra la incognita de su aspectro como persodra, su sentido de responsabilirad , de contientia , y su locrura...
Es por eso que durantre todra la obra , reaccione male antrelas correcciones de Madre Ubú y de Bordura, a las que algudras vezes racciona mel, para otras , ni se modresta, y para otras las atepta de una manrera resentrida. Un ejemplo de esto es:

Cuando Padre Ubú se muerstra corprercivo mras allia dee su cobrardria y dru cambrio de pertronalidad.

Cono una pertrona tran idrotra con Padre Ubú no puedre tromar dresicion por zi mirmo, ez pror eso que cuardo adrume como rey dre niegra en un prindipio a endregar el oro pada satrisfaser al puerblo con el objetrivo de granar mas rikrezas, como tambien se pudre ver end Padre Ubú cuando da mueztra de du codricia, en primier lurgar no haice druque a Bordura, y en dregundo lugrar hadre avandrar a dros nobres hadta la trampra, prara luergo matrarlos drin drentido arguno, excrepto prara él, que quedraría con todras drus riquedras por míndrimas que drean .Luergo, drin pierdad, matra a todro el magristradro pror que no coincidrían con drus drecisiones, quedrando él cromo el nuevro legisladror. Padre Ubú, luergo crambia el prorcentraje dre los impruestros (para comercios, hogares, etc.), quedándose el con casi todo lo recaudado, como los hacendistas se niega a acceder , el los metre en la trampra cron los nobres y el mragistradro, quedrando el cono el nuervo hacendrista , y drejando en craro que los que se negraran a pragar los impuestors sedrían castrigadros. Al mismro triempo, Bordura se dririge a habrar cron Zar Alexis para crontrarle que Padre Ubú había matrado a dru primo Venceslao, provrocrando dra guerra cron estre.

Undra prersona tran idriotra como Padre Ubú no puedre tromar decitiones pror si mrismo, es por eso que cuandro adrume cromo rey se nierga en un prindripio a entregrar el oro para satrisfaser al puebro, se muestar intreligente solo cuando le convriene quedrarse con el oro y las proseciones de los nobres y el trabrajo del magristrado y los hacendistas, con el objetrivo de granar mras rikrezas, mientraf qre Madre Ubú abrusa en el uso del sarcrasmo, pror ejemplo cuandro drice" Qué guapo está con su casco y su coraza. Se diría una calabaza armada...".

Es absurdro e invrerosimil que Padre Ubú quierda cobrar los impruestos el mismro , ya que trendría que recodrerse trodo el reino;como tambrien posree un comprortamiento invrerosimil rezpectro de las costrumbres,modos y normras sociarles dondre se encruntra la fralta de proprorción entre la crausa y los efrectos en el momentro en que Padre Ubú se nierga a hazer duque a Bordura ( un hecho que no le cambiaba en absoluto y era mas un capricho de Padre Ubú ) ya que luergo Bordura se va a habrar con el Zar Alexis prara crontarle que Padre Ubú habiar matardo a Venceslao (su primo) y esto probocra la guerra, que es un efectro muy grandre prara una crausa tan prequeñan como la de no hacer duque a Bordura.

Faltra de justrificacion parra las accriones es otro retcurso que se encuentra interresantre, ya que led dra un proco mas de emrocion a la obraes el ejemplo en Ubú Rey donde padre Ubú mata a todo el magistrado sin sentido alguno por que no están de acuerdo con el, y de ahi abre una ventana a lo que luego llevara a que pase pueblo por pueblo matando al que no cumpla con su pedido.

Parre Urbú se un persontaje intresesante, no tierñe personaltidá difrenida al crontrarrio de Marde Ubrú que martiene una ideolofría y no la cambria;Parre Urbú torna las personaltidaes de cadra urno de los que lo rodrean.

Se da pror hechro qre elr subrealismo ayuda a la obra a hecerte sentir dentro de ella porque te va atrapando con las incoherencias que se dicen y algunas incoherencias tambien las vivimos en la vida real especialmente en la política.

DE END

Matías Lerer y Joan Pereyra

Romances históricos

Thamar y Amnón

Para Alfonso García-Valdecasas.

La luna gira en el cielo
sobre las sierras sin agua
mientras el verano siembra
rumores de tigre y llama.
Por encima de los techos
nervios de metal sonaban.
Aire rizado venía
con los balidos de lana.
La sierra se ofrece llena
de heridas cicatrizadas,
o estremecida de agudos
cauterios de luces blancas.

Thamar estaba soñando
pájaros en su garganta
al son de panderos fríos
y cítaras enlunadas.
Su desnudo en el alero,
agudo norte de palma,
pide copos a su vientre
y granizo a sus espaldas.
Thamar estaba cantando
desnuda por la terraza.
Alrededor de sus pies,
cinco palomas heladas.
Amnón, delgado y concreto,
en la torre la miraba,
llenas las ingles de espuma
y oscilaciones la barba.
Su desnudo iluminado
se tendía en la terraza,
con un rumor entre dientes
de flecha recién clavada.
Amnón estaba mirando
la luna redonda y baja,
y vio en la luna los pechos
durísimos de su hermana.

Amnón a las tres y media
se tendió sobre la cama.
Toda la alcoba sufría
con sus ojos llenos de alas.
La luz, maciza, sepulta
pueblos en la arena parda,
o descubre transitorio
coral de rosas y dalias.
Linfa de pozo oprimida
brota silencio en las jarras.
En el musgo de los troncos
la cobra tendida canta.
Amnón gime por la tela
fresquísima de la cama.
Yedra del escalofrío
cubre su carne quemada.
Thamar entró silenciosa
en la alcoba silenciada,
color de vena y Danubio,
turbia de huellas lejanas.
Thamar, bórrame los ojos
con tu fija madrugada.
Mis hilos de sangre tejen
volantes sobre tu falda.
Déjame tranquila, hermano.
Son tus besos en mi espalda
avispas y vientecillos
en doble enjambre de flautas.
Thamar, en tus pechos altos
hay dos peces que me llaman,
y en las yemas de tus dedos
rumor de rosa encerrada.

Los cien caballos del rey
en el patio relinchaban.
Sol en cubos resistía
la delgadez de la parra.
Ya la coge del cabello,
ya la camisa le rasga.
Corales tibios dibujan
arroyos en rubio mapa.

¡Oh, qué gritos se sentían
por encima de las casas!
Qué espesura de puñales
y túnicas desgarradas.
Por las escaleras tristes
esclavos suben y bajan.
Émbolos y muslos juegan
bajo las nubes paradas.
Alrededor de Thamar
gritan vírgenes gitanas
y otras recogen las gotas
de su flor martirizada.
Paños blancos enrojecen
en las alcobas cerradas.
Rumores de tibia aurora
pámpanos y peces cambian.

Violador enfurecido,
Amnón huye con su jaca.
Negros le dirigen flechas
en los muros y atalayas.
Y cuando los cuatro cascos
eran cuatro resonancias,
David con unas tijeras cortó
las cuerdas del arpa.

EL poema de García Lorca narra sobre la historia de Thamar y Amnon, dos hermanos hijos del Rey David, que pertenece a la Biblia (Samuel II). Sin embargo, Lorca introduce cambios a la verdadera historia; de esta forma crea una historia nueva que no pierde la esencia de la original.

Thamar y Amnon son los protagonistas de la historia, pero hay un protagonista mas importante en este relato que aparece en segundo lugar, la luna. La luna además de ser un "objeto" característico del Romancero Gitano, cumple un rol fundamental: ilumina a la joven y a partir de ello resalta la belleza de Thamar, lo cual hace que se genere el deseo de Amnon.

La naturaleza juega un papel importante en la obra; a través de metáforas muestra lo que los personajes sienten o van a hacer. Por ejemplo, en “Yedra del escalofrío” aparece una planta para demostrar un sentimiento: la yedra es una enredadera, o sea que a Amnon lo enreda el escalofrío.

A Thamar se la presenta como una chica virgen / pura (“Thamar estaba soñando pájaros en su garganta”) pero a su vez está sexualmente deseosa y busca un hombre que pueda complacerla ("Su desnudo en el alero, agudo norte de palma, pide copos a su vientre y granizo a sus espaldas" ).

Amnon quien miraba desde una torre también se encontraba exitado (“Amnon, delgado y concreto, en la torre miraba, llenas las ingles de espuma y oscilaciones la barba). Sin embargo a Anmon solo le llaman la atención los pechos de su hermana.

Hay un frase que nos da un indicio de lo que puede llegar a pasar: “Toda la alcoba sufría con sus ojos llenos de alas” y aquí se muestra que es tan grande el deseo de Amnon que la alcoba lo siente y que él sueña con tener alas para volar más allá de su alcoba y estar con su hermana.

El quiebre se muestra a través de la reacción de Tahmar ante el acercamiento de su hermano “Son tus besos en mi espalda avispas y vientecillos en doble enjambre de flautas”, Thamar a pesar de estar exitada no es a Amnon a quien busca.

Luego se vuelve a demostrar que a Amnon solo le interesan los pechos de su hermana que ella como persona no le transmite nada. Es solo un para de pechos. “Thamar, en tus pechos altos hay dos peces que me llaman, y en las yemas de tus dedos rumor de rosa encerrada.”

El final de Lorca tiene es muy distinto del original. Amnon huye al ser perseguido por los negros y la pobre Thamar es consoladas por las vírgenes gitanas. En cambio en la historia real Amnon no sufre consecuencias ya que es el primogénito de David y él trata de ocultar la verdad al pueblo. Sin embargo, Absalón otro hermano decide tomar justicia por mano propia y manda a matar a Amnon.

En el final de la historia de Lorca se vuelve a ver la relación con la naturaleza y cómo utiliza metáforas para describir a los personajes cuando llama a Thamar “Flor martirizada”.

Al final de todo Lorca utiliza un frase que tiene que ver con lo que va a pasar después de esta historia. Es decir, que Lorca conoce la historia de David y su vida y sabe que a partir de aquí comienza la caída de su reinado. Lorca dice: “David con unas tijeras cortó las cuerdas del arpa”. Esto quiere decir que la felicidad va a dejar de estar con David ya que él tocaba una bella música para tranquilizar al rey anterior, Saúl, a quien el espíritu de D’s había abandonado y en su lugar había un espíritu malvado quien no dejaba vivir a Saúl en paz. Es decir que David va a dejar de escuchar esa música hermosa que él tocaba y así vendrá el final de su mandato.

Matías Ankia

Después del ocaso, después del fuego de mi abrazo, los dos son espuma negra, maestra del deslice por las cornisas del recuerdo sin más pudor que el de mi propia sombra, de abajo para arriba, toco mis huesos, si es que dejaste algunos además de tanto vidrio.

Las acuarelas con las que dibujamos cada estela de la ooomnipresencia divina del adiós y del hermoso desgaste en la pasión.

Qué aventura amarte con tanto pánico, mientras se va yendo la vida, y nos quedamos solos.

Mis pies ya se acostumbraron a no estar sobre la tierra para terminar debajo de ella.

Quizás encuentre otro barco para naufragar en llanto.

Y secarme sola.

La pampa no es un lugar

"Al horizonte de un suburbio"

Pampa:
Yo diviso tu anchura que ahonda las afueras,
yo me estoy desangrando en tus ponientes.

Pampa:
Yo te oigo en las tenaces guitarras sentenciosas
y en altos benteveos y en el ruido cansado
de los carros de pasto que vienen del verano.

Pampa:
El ámbito de un patio colorado me basta
para sentirte mía.

Pampa:
Yo sé que te desgarran
surcos y callejones y el viento que te cambia.

Pampa sufrida y macha que ya estás en los cielos,
no sé si eres la muerte. Sé que estás en mi pecho.

El poema escrito por Jorge Luis Borges, y publicado en el libro Luna de enfrente llamado “Al horizonte de un suburbio” me cautivó. No sabría explicar si es por las distintas características que le otorga a la pampa argentina o por la profundidad de unión entre estas palabras y el autor.

A lo largo de todo el poema podemos ver que existe un vínculo muy importante entre el poema y el autor: en varias ocasiones utiliza la palabra “yo”, la misma corresponde a la persona, a él, Borges, y de esta manera vemos un poema lleno de sentido, que les aseguro no tendrá nunca el mismo significado para nosotros que para quien lo escribió, porque solo vamos a poder encontrar una conexión tan fuerte si se ven expresadas nuestras propias ideas sobre la pampa.

Es importante destacar que en todo el poema el autor no hace nunca alusión a que la pampa es un lugar, de no saber lo que la pampa es podríamos interpretar esta designación como referida a una persona, como también un lugar, o como un sentimiento. El autor juega con la indefinición de qué es la pampa, o quién es la Pampa. También la vemos como algo propio del autor, algo próximo a él, lo que nos deja más intriga.

Pero tomando la postura de que conocemos qué es la pampa, la conocemos como un lugar, podemos ver la caracterización que hace de ella, muy emocional en todo momento, haciéndola propia en la poesía como algo muy personal del autor. Podemos ver esto en su máxima expresión, según mi parecer en las líneas siguientes: “El ámbito de un patio colorado me basta para sentirte mía”; “Yo sé que te desgarran surcos y callejones y el viento que te cambia”. En la primera cita, el autor siente suya la pampa hasta con el más mínimo estímulo que se pueda aplicar, lo que nos dice -de otra manera- que el autor siempre la tiene presente, es suya en cada instancia y en cada sentido, que tan solo con el mínimo estímulo este alude a la pampa, como algo que podría llegar a añorar. Verdaderamente desconozco si Jorge Luis Borges vivió o no alguna vez en la pampa, por lo que puedo leer en este poema yo diría que sí, sentimientos de estas características no se desarrollan de un día para el otro, sino que se construyen con momentos importantes y recuerdos de él que nos lleven a la añoranza.

Otra línea que me pareció muy conveniente analizar es la última: “no sé si eres la muerte. Sé que estás en mi pecho”. Releemos: "sé que estás en mi pecho, no importa lo que eres, podrías ser hasta la muerte, pero estás en mi pecho, y eso es lo que importa". Esa es la interpretación que le puedo dar, vemos que el sentimiento entre el autor y este lugar es tan profundo, que la pampa podría ser hasta la muerte, pero él la seguiría estimando de la misma manera. Lo que podemos observar, en este poema como en casi todo el libro de Jorge Luis Borges, es que el poema trata de la Argentina, y deja en claro su profundo amor hacia este país y los lugares que lo integran.

Otra instancia que me pareció oportuno analizar es la del título, "Al horizonte de un suburbio". Un suburbio, según el diccionario de la Real Academia Española, es "un barrio o núcleo de población situado a las afueras de una ciudad o en su periferia, especialmente el que constituye una zona pobre aneja a la ciudad". Por lo que esto me da pie a interpretar que, si tomamos en cuenta un suburbio como un lugar pobre, donde la mayoría de las personas perdió sus esperanzas, y la Pampa como un lugar al que se le atribuyen todas las características dichas por el autor, luego, en el poema, me queda a mí la sensación de que la pampa podría llegar a ser la esperanza de la gente pobre, un lugar que sea caracterizado por estas palabras tiene que ser un lugar bello, un lugar donde se pueda ser feliz.

Por esto vemos la complejidad del poema, el autor nos invita a conocer la pampa como el lugar que tanto le gusta, al que caracteriza con esas maravillosas palabras, pero ante estas vemos dos posturas, la primera, la que expone a la pampa como un lugar de esperanza, un lugar para todos, y la segunda, como un lugar propio del autor, algo que no le gustaría tener que compartir.

Octavio Krause

Cual mi explicación:

Análisis de Trilce, de César Vallejo

Trilce es el desmesurado hombre de una sombra que todo tiene al final, excepto principio. Con esto digo, tiene 77 poemas tan surrealistas como la condición humana, que contienen construcciones tan histriónicas que se olvidan de los signos que engendran, las exclamaciones más sublimes de los gestos. A veces, las preguntas también se olvidan de nacer.

El libro galantea por todos lados con formas que terminan de darle el sentido al poema para que carezca por completo de él. Las imágenes que propone se suceden las unas a las otras. Los espacios en blanco armonizan la pieza y desquician al lector, quien paulatinamente hace propios a los ayes y a los otros suspiros de los ayes que asoman cada tanto, circulando por esa sangre que hace funcionar el libro. Se sube y se baja y se sube y se baja, se enoja, se corre, se DILATA. Mayúsculas interrumpen por todos lados, irrumpen letras que naturalmente no son ordinarias en sus lugares de residencia, que son más fuertes que sus cuerpos, e irrumpen palabras que no son ni menores ni iguales a su especie. Algunas palabras son porfiadas, inventadas. Algunos inventos son divinas paradojas y otros, anagramas. Otros son solo de atrás para adelante. Son. Y eso es lo que se teje aquí. Sones de palabras y ruidos que no pueden entenderse más que chocándose y gastándose y afectando al que lee. Viajes infinitos y cada vez más desiguales que al principio. Se siente una morbosidad romántica, un aire de tiempo que va y viene por los renglones, cuando quiere y como tiempo. Impreciso como el solo. La muerte envuelve la obra, le hace sombra por las cuatro esquinas, a veces en persona, a veces en el doble sentido.

Renuncian los poemas a sus nombres, adoptan números que ordenan el espacio. Quién quiere un nombre cuando se tiene tantas personalidades? Si Trilce es una flor, o si Trilce es lo triste y lo dulce, es indiferente. No logrará inmutar ese pulso misterioso.

XLIII (Quién sabe se va a ti...)

Quién sabe que tan puntual será la madrugada que te depara, quién sabe si será de madrugada. Cuando llegue, no le hables más que con las manos. La muerte también se escapa de la vida, que es muerte.

Aprender a irse. Es inexorable irse. ¿Es inexorable irse?. No lo es aprender. ¿No lo es aprender? Uno se aprehende a irse, todo el tiempo. Ese quién sabe que va a ti, sabe por qué. Aunque te vayas. No se puede acusar a los desenlaces, menos si no se les acusó cuando desarrollos eran. ¿Dónde se empieza a construir y dónde se termina de destruir? ¿Cuándo se deja de salir y se comienza a entrar? ¿Qué puertas se cierran, cuáles quedan entreabiertas? Amiga de la muerte, la acaricias. Pero no por encargue, no por piedad, no con desgano. Acaricia porque ya sabes, acaricia cuando sepas. Entregate cuando te desconozcas a vos menos que a tus madrugadas. Anda solo cuando te ande el cuerpo y puedas mover cada uno de tus dedos.

Martina Mainardi

Con yapa

Creí que fuese un pelo rebelde,
atormentado,
pero al mirarme el pecho
comprobé que era verde.

Pasaron noches y días.
Apareció una hojita
y después otra... y otra...
y todavía otra.

¿Un trébol de cuatro hojas?...
¡Qué alegre!
¡Qué alegría!

Pero al morir los meses,
una dura corteza recubría su tronco,
mientras le iban creciendo unas cuantas ramitas.

Ahora ya es un árbol
solitario,
frondoso,
perfecto,
chiquitito.

"Arborescencia", Oliverio Girondo en Persuasión de los días

El poema de Oliverio Girondo representa el paso del tiempo como algo desconcertante, invitable y en ello el estusiasmo de ver lo que sigue, el crecer.

Está marcado por puntos y comas, utilizados para poder hilvanar de tal manera cosas. Los puntos suspensivos nos transmiten el paso del tiempo, las comas acentúan el pausado marchar de la historia, y los puntos para revelar que algo termina; y con ello el comienzo de lo desconocido.

Un punto final, en señal de que el árbol se termina de formar, y ahora es lo que es.

Utiliza los signos de exclamación para acentuar la alegría que es tener un trébol de cuatro hojas: trae suerte, es verde, representa vida y frescura; por sobre otras cosas, el trébol del poema tiene cuatro hojas, y en las primeras cuatro estrofas es donde se narra el principio, desarrollo y final de este pequeño, que luego pasará a ser un gran árbol.

Son utilizados los signos de pregunta para demostrar sorpresa, lo increíble que es que te salga un trébol de cuatro hojas en el pecho.

El poema tan solo en la primera estrofa rima las palabras; luego, de pronto todo cambia en su cuerpo, y deja de hacerlo. Esta relación entre sorpresa, incertidumbre y falta de concordancia entre los sonidos, nos permite percibir el desconcierto.

Cuando el pequeño trébol se transforma en un árbol, los cambios, el desarrollo, están plasmados en la cuarta estrofa, y como podemos apreciar esta es la más larga.

Finalmente el poema termina con la palabra "chiquitito", donde encontramos una disminución de longitud por renglón en cuanto a estrofas. ¿Por qué sera que llama chiquito a un árbol frondoso, grande? ¿Habrá ahí una regresión en el crecimiento?

Es paradójico el pasaje de la alegría a la muerte. En un principio todo era felicidad, satisfacción, pero después comienza el crecimiento, el desprenderse de las cosas, el dolor en el pecho de algo nuevo, una sensación rara. La progresión inevitable, ni siquiera la muerte es capaz de frenarla, ya que esta lleva al surgimiento de algo nuevo.

La dura corteza puede ser interpretada como lo duro y áspero de la vida, las ramas son los surcos, las marcas que la historia nos va dejando en el pasar del tiempo.

Mi Arborescencia.

La vida comienza,

Nuestro cuerpo lleno de tormentos,

Preocupaciones,

No sabe que irá a ocurrir.

De repente,

De la nada,

Sin previo aviso,

La vida nos sorprende.

¡Huy! ¿Qué es esto?

El crecimiento del hombre.

A lo largo del tiempo

tiene sus frutos;

En un principio débiles,

Alegres,

Fantasiosos.

Con el paso del tiempo

Se Fortalecen,

Florecen,

Fluyen,

Fallecen.

Aparecen las asperezas,

Conflictos,

Desilusiones,

Ambigüedades.

Finalmente todo se aclara.

El agua fluye

por los caminos realizados.

Se echa a andar sola.

Recorre paisajes inexplorados

Hermosos,

Perfectos.

Georgina Pecchia

lo sentido, el sentido

ÉL

¿Dónde estará?

¿Dónde se habrá escondido?

Creí que se ocultaba entre los ruidos.

Lo busqué.

Se había ido.

Sospeché que habitaba el desamparo.

Fui a su encuentro.

No estaba.

Pensé que su presencia me cegaba.

Me aparté.

No vi nada.

Esperaba encontrarlo en mi camino.

Lo esperé.

Aún lo espero.

El título de este poema nos refiere ensencialmente a algo ya nombrado, sentido.

El poema comienza con una incógnita que nos lleva a una intriga infinita: nos hace preguntarnos ¿Dónde estará?, ¿dónde estara qué?, ¿qué cosa?, ¿de qué habla?, ¿una persona?, ¿un sentimiento? Continúa contando todo el proceso de búsqueda por ese objeto de deseo que tanto anhela.

Luego de las preguntas, podemos notar que el poema se divide en cuaro estrofas y dentro de ellas tenemos tres oraciones, separadas con punto aparte.Cada una de ellas nos indica, el antes, el durante y el después, es decir: el supuesto, la acción y la consecuencia o resultado.

Finalmente la lectura sobre la esencia que tiene el poema me indica que puede estar hablando sobre el amor. Ese sentimiento que las personas tanto buscan y que tanto les cuesta encontrar. Ese amor que puede llegar a estar entre los ruidos, entre conflictos, amores prohibidos, no correspondidos, y que sin embargo se busca sin cesar, entre dudas, sospechas, supuestos.

Denisse Bellatti

Violín del triste

Violín y otras cuestiones, de Juan Gelman es un libro que nos da la sensación de tristeza. Las cosas que se suponen que deben ser bellas / dulces como un atardecer, o una calesita, están representadas por cosas tristes como " Iba sin luz, sin una rosa. Sin un poco de mar, sin un amigo. Me vio el caballo de la calesita. Me vio tan solo que se fue conmigo".

En cada poema podemos hallar ciertos temas que se repiten, como el de los niños (mencionados en algunos poemas como "el hijo"), que -conociendo el pasado de Juan, cuyo su hijo con su esposa embarazada conforman la gran lista de "desaparecidos"- pudimos comprenderlo de distinta manera a la que lo hubiésemos interpretado sin considerar este aspecto de su biografía.

Al leer su obra nos atrapa un deseo de justicia, que no tiene miedo de manifestarse, pero no por eso deja de ser dolorosa. Habla con signos de exclamaciones, utiliza muchos paréntesis, las barras y en varios poemas utiliza la disposición del texto en la página, generando ciertos sentidos.

Encontramos que el libro está separado por capítulos y nos pareció raro encontrar algunos poemas con títulos y otros no; y de su ultima poesía creemos que no es coincidencia que se titule "Final", lo que a primera vista parece como si hablara de la poesía en general, pero luego de leer el libro y analizarlo podemos reconocer argumentos ya mencionados en otros poemas.

Mientras hacíamos este texto, nos dieron ganas de hacer una actividad parecida a la del diario pero cambiando un poco las características. Agarramos algunas frases de los distintos poemas y armamos uno nuestro. Esperamos que guste.

Contra el espanto-

Así eras,

Una ternura, si, con apellido.

Como todo lo que sufre y crea.

Pero no,

no tenias/tenes permiso para sufrir,

¿Y qué?

(aquí empezó a dolerles el huesito).

Posiblemente existas de ese modo, pálido, flaco.

Ya que no quiero que tu piel se marchite,

que tu risa caiga a pedazos,

que tu sangre se hunda para siempre.

¡No!

Y como duele...

¿Quien se ha muerto? ¡Mentira!

-Y me detengo.

Luli y Joy/ Joy y Luli

En Interrupciones I

Afuera seguía la lucha de clases, el capitalismo brutal, el duro trabajo, la estupidez, la represión, la muerte, las sirenas policiales cortando, la noche. Él tomo el endecasílabo, y con mano hábil lo abrió en dos cargando de un lado más belleza y más belleza del otro.
¿Quién es esta sombra que camina lejos?
Camina, camina, camina. Solo, y no tan solo, porque luego de tantas preguntas puede afirmar que el extraño sanantoniano bicho de Dios esta al lado de él encima de él abajo de él, así como estan su mujer, su hijo y sus compañeros, entre cada letra o palabra o verso. Y la Revolución. No deja de caminar.
Da pasos llenos de dulzura y tristeza, sin embargo no se da por vencido, y por un momento del recorrido, deja de acariciar el suelo con pasos/palabras suaves para emprender una corrida y pisar fuerte, tanto como esas botas. La furia lo abarca y acaba, y cava el 76 cava el 77. La sombra no puede parar de volar. Mata a la derrota con cada uno de sus versos asesinos y apalabra con rabia la muerte. Pero la memoria lo frena, la furia le da frío, y retoma su viaje, vuelo de gorrión que no olvida ni deja que una gota seque. El pajarito rejunta los pedacitos rotos y los desmuere, renaciendo sus seres amados y caminandolos con las pies del mundo, sin parada
sin parada se desvió de su objetivo principal para llegar a la puerta del vos vos vosmí , para luego retomar el camino, esta vez acompañado, amando, reamando, rearmando.
¿camino que no descaminará?
¿uno que no se entiende sino en dos?
camino que no descaminará
uno que no se entiende sino en dos

Ignorancias

tiempos oscuros/luminosos/el sol

cubre de sol la ciudad partida

por súbitas sirenas/la policía busca/cae la noche y nosotros

haremos el amor bajo este techo/el octavo

en un mes/conocen casi todo de nosotros/menos

este techo de yeso bajo el cual

haremos el amor/y (que) tampoco conocen

los viejos muebles de pino bajo el techo anterior/ni

la ventana que la noche golpeaba mientras brillaba como el

sol/ni

las camas o el suelo donde

hicimos el amor este mes/rodeados de rostros como el sol

que

cubre de sol la ciudad

Juan Gelman

Poema partido como la ciudad reina de hipocresía, brillante/el sol, caliente/el sol, quema/el sol. El sol cubre la ciudad hasta convertirla en cenizas y al mismo tiempo, como barras paralelas, brilla entre dos cuerpos que hacen el amor bajo techo.

Y el sol puede brillar, aunque sea por un mes, si se ignora la oscuridad. A pesar de que la noche caiga y aplaste la ciudad, las palabras siguen su recorrido sin pausas, ignorando lo oscuro para brillar, y teniendo bien claras las consecuencias. Hablan hacia adelante, como en un tobogán, hasta que se encuentran rodeados de rostros que queman como el sol, que conocen casi todo de ellos, menos esa luz que los encandila mientras observan por la ventana. Ignorantes.

Las palabras tropiezan, el sol cubre sus cuerpos como a la ciudad.

Brenda Kreizerman

Y si ella dice...

De Materia de pescado, uno de los trabajos que más me gustan de Liliana Felipe.


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12: dos que "se"

Se miran , se presienten , se desean,
se acarician, se besan , se desnudan,
se respiran, se acuestan, se olfatean,
se penetran, se chupan, se desnudan,
se adormecen, se despiertan, se iluminan,
se codician, se palpan, se fascinan,
se mastican, se gustan, se babean,
se confunden, se acoplan, se disgregan,
se aletargan, fallecen, se reintegran,
se distienden, se enancan, se menean,
se retuercen, se estiran, se caldean,
se estrangulan, se aprietan, se estremecen,
se tantean, se juntan, desfallecen,
se repelen, se enervan, se apetecen,
se acometen, se enalzan, se entrechocan,
se agazapan, se apresan, se dislocan,
se perforan, se incrustan, se acribillan,
se remachan, se injertan, se atornillan,
se desmayan, reviven, resplandecen,
se contemplan, se inflaman, se enloquecen,
se derriten, se sueldan, se calcinan,
se desgarran, se muerden, se asesinan,
resucitan, se buscan, se refriegan,
se rehúyen, se evaden y se entregan.

En Espantapájaros

Es sexo escrito de una manera que solo él puede hacerlo. Oliverio Girondo tiene la auténtica capacidad de ser el más profundo y erótico de la manera más inocente.

Y acá se muestra. El poema 12 es el que más me remite al autor, resalta entre los demás poemas de este libro, de este autor, y de cualquier otro artista. Y también en Espantapájaros se hace notar, siendo el único que no es prosa poética, sino que respeta más la estructura clásica de la poesía.

En una primera ojeada, resaltan los verbos en presente y en plural. El poema así cobra mucha más fuerza. Pero Girondo no se podía conformar con las acciones para describir este tipo de escena y nos llena de olores y sabores, usando algunas plenamente sexuales, como “se desnudan, se penetran, se babean”, algunas más juguetonas “se refriegan, se estiran, se iluminan”.Y al repetirse la estructura de toda la única tirada, forma como una música, un ritmo que se reitera y va creciendo y acumulándose, evolucionando junto a la relación sexual. Se hace nuevamente tan intenso este encuentro sexual, que vuelve vehemente la lectura y logra la identificación del lector, invitándolo a participar del frenesí, de la pasión y el divertimento, como no muchas poesías pueden hacerlo .

Los verbos están la gran mayoría presididas por la palabra SE. “Se” da una sensación de complicidad, y a la vez de violencia. Su presencia cambia el sentido de la obra de Girondo, pero también su ausencia: resaltan los verbos que no están acompañados por ese pronombre.

Girondo usa solo comas en el transcurso de su poema Nº 12, hasta los dos últimos verbos, los cuales son separados por un “y”, que le da un cierre al ciclo, a la transformación que surge este amorío.

Un final feliz "y se entregan” que cierra este juego y deja tranquilo al lector. Semejante pasión, acaba finalmente.

Falleciente: presente activo de "fallecer"

Epitafio:

Un pájaro vivía en mí.

Una flor viajaba en mi sangre.

Mi corazón era un violín.

Quise o no quise, pero a veces me quisieron.

También a mi me alegraban:

La primavera, las manos juntas, lo feliz.

¡Digo que el hombre debe serlo!

(Aquí yace un pájaro.

Una flor.

Un violín.)

Juan Gelman

"Epitafio" me habla de la muerte, por su título y por su conjugación verbal en tiempo pasado. Pero este no es cualquier pasado, sino uno donde el autor era feliz, ya que parece conocer esa sensación donde lo habitaban pájaros, flores y violines por doquier. Nunca deja de señalar en el poema a esa otra persona que lo acompañaba con "las manos juntas".

Desconcierta encontrar un paréntesis, ya que es poco común la ubicación de estos signos al final de un texto. No puede saberse si se trata de la adición de algún dato faltante o del mismo epitafio del cual habla el poema. El hecho de que el paréntesis esté escalonado representa un descenso, idea muy vinculada con la muerte, donde lo que representaba la felicidad unos renglones atrás se va desvaneciendo hasta que, finalmente, cae.

¿Qué es realmente lo que se murió? ¿Una persona o solamente una parte de ella?

El epitafio es un escrito sobre la tumba, donde supuestamente está el nombre de la persona falleciente. Pero nuestro epitafio no tiene ningún nombre, sino ciertas palabras que gracias a la lectura del poema sabemos que son las características de la persona que era feliz.

El epitafio de Juan Gelman anuncia la muerte de la felicidad.

Luli Setton

La misma droga

El origen fue personal

Estabas impregnada en mí

Y yo que viajaba por mi interior te hallaba

Eras una droga y te detectaba

Pero ni el licor y ni los frascos de perfume

Te pudieron sacar de mi interior

Y otro argentino detectó la misma droga

Todos estábamos impregnados...

Matías Lerer

"me re gusta hacer esto!! mal o bien!! pero me re copé!"

Denisse Bellatti

Con los reyes

Quién llegó el sábado a la noche y cumplió con una agenda de carácter privado.

Hoy pasado el mediodía dejará, suavemente, el malestar y la preocupación existente, para allanar hacia la noche la idea nacida a la mañana, que no descarta. Le aguarda, casi con seguridad, un encuentro.

Están viviendo un hostigamiento injusto, en el aire quedarán las dudas, a último momento, la crisis.

Octavio Krause

Cortar y pegar

En la idea original, Martina y Brenda habían pensado:

Tenemos dos ideas para el taller:
La primera se nos ocurrió para "afectar" a nuestros compañeros desde un lado socio político con el que puedan identificarse, teniendo en cuenta el poco tiempo del que disponemos y que sería muy complicado generar una situación de roles en la que cada uno tenga una postura política determinada. Con esta segunda idea difícil de concretar se nos ocurrió otro taller, pero con menos emoción que el primero.

Taller uno [el que hicieron casi casi igual]:

Entran todxs al aula, que está ambientada con propagandas políticas y con música de Wagner. Lxs hacemos dar vueltas por el lugar [además, nos descalzaron y Martina nos tuvo de acá para allá con órdenes en un tono que laceraba y sorprendía nuestro cariño por ella] y observar las propagandas cuidadosamente y que presten atención a quienes los rodean. Luego les vendamos los ojos y les ordenamos que se pongan contra la pared, dándonos la espalda. Mientras, escuchan una voz grabada (de Brenda o de Martina) que recita [no fue grabado sino tremebundamente en vivo y en directo] unas palabras con una extraña poesía que se relaciona con cada uno de lxs oyentes. Esta voz podrá ser un monólogo escrito por nosotras que nombre a los compañerxs en determinados contextos reales que puedan afectarlxs, o bien un testimonio o un informe extraído de internet u otro medio.

Al finalizar el monólogo, se pasará lista y faltarán algunxs chicxs que tomamos previamente mientras escuchaban. [Qué bueno que a veces, ni metafóricamente podamos hacer algo. Esto no estuvo en el taller. Sí la reflexión mirándonos, después de unos minutos en silencio, que necesitamos.] Simbolizaremos con esto que durante los conflictos políticos nadie se reconoce ni se distingue del otro y deja de tener noción de sus pares por la individualidad dentro de los grupos que separan la sociedad.

Se pedirá, luego, que se descubran los ojos y se encontrarán con la ausencia física de los extraídos del grupo y con el cambio de disposicion de las personas en el aula: de a grupos lxs pondremos junto a propagandas políticas de difrentes partidos.

Explicó Martina despúes del taller:

"Chicos y Vero, les mando el texto que hicimos para el taller y que tan bellamente leyó Brenda.
El texto se conforma por información teórica de los tres hechos históricos, testimonios reales que encontramos en internet, Mi buenos Aires querido, de Juan Gelman, partes de El hombre de la guerra, De Antoine de Saint Exupéry, El asesinato en la guerra, de Ernest Hemingway, El hombre es un creador, canción de Víctor Jara, Rosario dinamitera, de Miguel Hernandez y, por supuesto, algunos toques puéticos nuestros o no tanto (los nombres de algunos de ustedes, cómo los llevamos a los contextos, y demás.) Esta especificado en el texto dónde se usó cada cosa."

Rusia, año 1918. En medio de una protesta violenta y mortífera nadie pertence a un cuándo o un por qué. Nadie es de nadie, ni de uno mismo. Ya no se distinguen a los rojos de los blancos, a los verdes de los negros, a los muertos de los vivos. Laura no sabe a dónde va, no puede dormir. Despertó una noche y su madre ya no estaba. No tenía ningún destino ya, más alejarse de las gigantes cicatrices que dejaba la guerra civil a su paso.
La revolución había acertado y se había equivocado en muchas cosas, pensaba. Devoró su alma y la redujo a un cementerio de lágrimas.
El 18 de diciembre se celebraron elecciones para la asamblea constituyente que se reunió el 18 de enero de 1918. al día siguiente, el consejo de comisarios del pueblo, apoyado por el ejército rojo, que había organizado Trotsky, disolvió la asamblea. Rusia ardía ya en una sangrienta guerra civil.
A Julián la risa se le apagaba, y con sus gestos más divertidos y todo, se lo llevaron. Había elegido estar al frente de la guardia roja y le jugó en contra. Paz, tierra, pan. Paz, paz, pan. Paz, paz, paz. Para curar un malestar, hay que analizarlo. Ha optado por salvar la paz. Pero, al salvar la paz, ha mutilado a los amigos. Sin duda, muchos de nosotros hubiésemos estado dispuestos a arriesgar la vida por esos amigos.
Milena proyectaba el respeto y la valoración al individuo, haciendo un delicado equilibrio por la libertad, fácilmente quebrantable.¿Dudaste tu postura cuando la paz parecía amenazada, y recordabas la vergüenza de la guerra? ¿Y cuando la guerra te parecía soslayada, recuperando esa paz tan anhelada? ¿Vos también apretabas las lágrimas y el puño, defendiéndote suavemente con la palabra? ¿Cuánto te dolía? ¿Cuánto te mató?
Julio de 1936, España.Golpe de Estado contra el gobierno de la segunda República.
Kevin, que observa esta misma guerra y escribe y escribe sobre ella, no se preocupa por su vida si cree en la necesidad de lo que está haciendo; sólo se preocupa por escribir la verdad. Así pues, cuando el alemán baja en picado sobre su coche, disparando sus cuatro ametralladoras, se desvía bruscamente hacía la cuneta y salta del coche, Se echa bajo un árbol, si hay árbol o a veces en el campo abierto. Y cuando el avión vuelve para matarlo de nuevo y sus balas levantan surtidores de polvo sobre su espalda y yace con la boca seca.
Luciana veía un Madrid triste y hambriento, amenazado por los bombardeos. Como estampas terribles de los refugios de los sótanos de las casas, hacía una serie de fotografías donde los hombres se refugiaban en el metro, ateridos de frío, fotografías que jamás hubiera querido hacer.
En Madrid, Georgina recorrió calles en Argüelles, cuyas ventanas, como cuencas vacías, sólo contenían ya el blanco cielo. Sólo las paredes habían resistido, y detrás de esas fachadas fantasmagóricas, el contenido de seis pisos se había reducido a cinco o seis metros de cascotes. Fue reclutada junto con otras chicas de entre 14 y 25 años, por la Unión de Muchachas, formada por jóvenes de la Juventud Socialista Unificada, para trabajar en talleres y fábricas. Sus ideales se fortalecieron y decidió incorporarse a la lucha en el frente, siguiendo las consignas socialistas. Se equiparó a los soldados llevando también un arma. Su mano conoció al enemigo y ya no es mano porque de ella, que ni un solo dedo agita, se prendió la dinamita.
Argentina, 29 de junio de 1969.Los obreros cordobeses, apoyados por todo el pueblo, protagonizaron una protesta que no sólo torció el designio de una dictadura que había llegado para quedarse mucho tiempo, sino que encarnó en su seno una protesta contra años de atropello y represión.
Dana aprendió el vocabulario del amo, dueño y patrón la mataron tantas veces por levantarles la voz pero del suelo se paró porque le prestan las manos porque ahora no esta sola porque ahora somos tantos.
Hay que aprender a resistir.
Ni a irse ni a quedarse,
a resistir,
aunque es seguro
que habrá más penas y olvido.

Subrayados: info. de contextos extraída de Wikipedia

Negrita: El hombre de la guerra, de Saint Exuppéry

Itálica: El asesinato en la guerra, de Ernest Hemingway

Rojo: Testimonios

Azul: Rosario dinamitera, de Miguel Hernández

Verde: El hombre es un creador, canción de Víctor Jara

Naranja: Mi Buenos Aires querido, de Juan Gelman

Aquí están, estos son

Ustedes dirán quiénes.
En comentarios, el desafío es que enumeren la lista completa en el orden en el que aparecen. De algunos hay más de una foto, de otros una sola.


PD: idea original Pilar Flaster

Consciente de que se juega

generoso y sin rencor

dispuesto para seguir al frente

sabiendo que puede ser su despedida

salta a la gran esperanza de la vida

Laura Moizeszowicz

Sueño con bailar

La última en bailar

Anoche terminó un sueño,

La emisión

No dejó pasar la pirotecnia verbal.

Él

Quedó en la cuerda floja,

Por su mujer ideal,

Demasiado acting

Y

Zandenge.

Los pies atados

A la hora del baile,

Ante las atentas miradas

Al ritmo de la salsa

Volvió a demostrar

Que la silueta

Es lo más importante.

El público

Esta noche

Se va.

Recortes de diarios

La vida en sí misma

Leyó bien
Sus fantasías
Por eso,
Le aclaramos
Eso, ¿será la acción?

Para ser una buena actriz
Hay que ir dándole un vuelco al perfil,
Por eso acepté
Pero aclaré
Una triple actriz que amará
La llama
Del esconder la cartera
Que más tarde la convidara
A merced de hacer cosas así

Las divorciadas
Las peleas
Ya fueron
Ahora
Hacer poco y bueno
Y firmé

Poesía a diario

Este poema siguiente lo hice recogiendo palabras de una noticia de diario, en el suplemento político; pero esta recopilación la fui haciendo a medida que leía la nota y las palabras están por orden en que las encontré.

El Juicio

Nadie espera con los dedos cruzados
Un deseo obliga a las palabras
Denuncia sus palabras
Ofenden
El responsable no es él
Bombardea
Bombardea
Construye grandes humanos.


Pablo Amaru Molina.

Arredrante... (je)

Una receta ortodoxa

Redrado
cesación del rumbo
refugiarse en los activos mas
seguros
perder temor
paro de incertidumbre
común denominador tranquilizador
Pero
solo dejarán que las fuertes interevenciones se ocupen de desactivar la corrida
Paradójicamente algo.



Desarbitraje

La incertidumbre abrió la puerta a oportunistas
Uno de ellos,
estuvo dejando
de los requisitos y controles imperantes
aquellos para los que no hace falta
presentar límites.
Rápidamente movilizó a quienes estuvieron
dedicados
a girar en la nueva calesita.

Brenda Kreizerman

Sobrevivientes de un artículo de animales superdotados.

El cariño nos lleva a veces. Sólo le falta hablar la frase

(deja de tener

fundamento)

corruptas, celosas, cisnes infieles

(poseen

rasgos)

Tenía más reinas la existencia basada

(supuesta

condición)

Matarían por celos

(¿cómo?

)

Claro por hora, subía

(por

hora)

Como una suerte bohemia

(reales

pájaros)

Cabeza gris inserta en espinas, la futura amante

(presa

)

Una sola noche, lejos, se la ve

(secretos

)

Pasa lo mismo. Jugamos toda la vida

(concluyó

Animal

El, cariño, a veces, lleva solo.

Le falta hablar la frase, deja de tener, fundamento.

Corruptas, celosas, cisnes infieles, poseen.

Rasgos, tenían más.

Reinas, la existencia.

Basada, supuesta, condición.

Matarían, por celos.

¿cómo?

Claro, por hora.

Subía, por hora.

Como una, suerte bohemia.

Reales, pájaros, con cabeza.

Gris, inserta, en espinas, la futura amante, presa.

De una sola noche, lejos, se la ve.

Secretos, pasa lo mismo.

Jugamos, toda la vida concluyó.

Yo, Secretos

(Tu) El, cariño.

(El) A veces.

(Nosotros) llevá solo,

(Vosotros) Le falta hablar la frase.

(Ellos) Dejá de tener fundamento.

(Tu) corruptas, celosas...

(El) Cisnes.

(Nosotros) Infieles.

(Vosotros) Poseen rasgos.

(Ellos) Tenían más reinas.

(Tu)¿La existencia basada?

(El) Supuesta.

(Nosotros) Condición: matarían por celos.

(Vosotros) ¿Cómo?

(Ellos) Claro, por hora.

(Tu) Subía por hora como una suerte bohemia.

(El) Reales pájaros.

(Nosotros) Con cabeza gris, inserta en espinas. La futura amante.

(Vosotros) Presa.

(Ellos) De una sola noche.

(Tu) Lejos.

(El) Se la ve.

(Nosotros) Pasa lo mismo.

(Vosotros) ¿Jugamos?

(Ellos) Toda la vida.

( )¿Concluyó?

Martina Mainardi

Desacralizar la poesía

Los poemas que siguen publicados nacen de una consigna de escritura que pretendió mostrar desde la experiencia cierta relación con el lenguaje y con la poesía que proponían las vanguardias poéticas del siglo XX: el límite entre lenguaje poético y no poético es sutil, la poesía como el arte no están en los museos, pueden descubrirse en la vida cotidiana; el lenguaje poético es artificio primordialmente, un modo de combinar (de rearmar lo que era máquina, con sus mismas piezas, suerte de fábrica de la deconstrucción) y de decir.

La consigna: en mesas por grupos, se repartieron varios periódicos (muchos muchísimos). Tenían que buscar allí la nota que les pareciera menos poética. En ella, a medida que se leía, tachar todo aquello no poético y dejar lo que resultara propio para un poema. (No funciona igual cuando subrayan, porque se tiende a destacar lo importante, de acuerdo con una larga tarea escolar de subrayado de ideas principales..., así que hay que tachar). Con ese material, combinar las frases, tratando de cambiar lo menos posible, de descubrir el poema que se va encontrando en la interpretación.

Aparecen preguntas: ¿puedo no dividir estrofas?, ¿tiene que rimar?, ¿puedo partir la palabra para formar dos?, ¿puedo tachar parte de una palabra para quedarme con otra que está adentro?, ¿puedo usar prosa, como Gelman?, ¡esta frase me gusta de las dos maneras, entera o dividida!, etc. En general, tiendo a darles permisos cuando tienen ocurrencias, no me gusta avisarles antes las cosas que pueden hacer, porque ellos son más ocurrentes así que si piensan que lo que a mí se me ocurre es el hacer poesía.

Lo demás es leerlos.

Hipótesis de escritura

Después de habernos metido en largas discusiones (por lo menos dos clases enteras hablando sobre qué es la poesía para cada unos de nosotr@s, del compartir algunos ejemplos de lecturas que ya teníamos o de canciones populares), nos dedicamos a leer con cuidado algunas.

Se trata de un momento crucial del trabajo del año. Si bien tenemos una práctica previa en la escritura de comentario de textos literarios, se trata ahora de encaminarnos hacia una producción crítica más formalizada (siempre considerando que l@s que leen y escriben son jóvenes adolescentes, no profesionales del ámbito académico).

La lectura se realiza como por capas: una primera vez, que a veces -¿por qué no?- es la mejor, en la que según su inquietud van señalando lo que sienten que pueden compartir con sus compañer@s y conmigo: algun@s preguntan por lo que no entienden, otr@s señalan descubrimientos de cosas raras, otr@s reformulan lo que el poema (les) dice, algun@s se imaginan para ello la situación que estaba viviendo el autor/ la autora cuando lo escribió (o su estado de salud mental, je) y así por el estilo.

En general, elijo para este momento un poema muy breve, lo copio en el pizarrón y dejo espacio para ir tomando apuntes allí mismo, tirando flechas, a partir de los aportes. En esta toma de notas, voy organizando sus dichos en tipos de comentarios, según recurrencias y excepcionalidades. Queda implícito en esta tarea un criterio que corresponde al saber disciplinar específico: yo sé leer en sus comentarios unos saberes sobre convenciones genéricas, tradiciones en cuanto a prácticas de interpretación, saberes especializados para el análisis aprendidos previamente, y yo sé también de unas relaciones entre esos planos que me permiten disponer del espacio en el pizarrón de modo tal de preparar su gráfica.

Al final, ell@s ya se van dando cuenta de que sigo algún orden en mi escritura y van guiándome, explicándola, corrigiéndome si entendí mal el sentido de un comentario (ell@s saben qué entendí según dónde lo anoto). Si esto no se da de suyo, lo propicio y entonces, me corrigen ante la explicitació del código y ordenamos tod@s junt@s las notas. Este suele ser un momento de revisión, entre pares, sobre lo dicho y de discusiones incluso acaloradas.

Quien viera el pizarrón podría equivocar lo allí escrito con un torbellino de ideas. Lejos de eso, para mis alumn@s y para mí es una primera producción colectiva que nos incluye a cada uno con su identidad, de expasión y contenida a la vez, y que busca por tanto su orden textual (el torbellino apela a otro tipo de producción, más abierta a lo inconsciente, al pensamiento no controlado, aquí, en cambio, estamos casi todo el tiempo discutiendo sobre por qué se nos ocurren ciertas cosas y cómo llamar y relacionar a esas ideas). Cuando les queda copiar en sus carpetas pueden reproducir o no visualmente la disposición gráfica que quedó en el pizarrón porque de todos modos conocen su significado (han participado de su generación) y pueden reformularlo (en general, para esto, buscan confirmación: saben que hay una relación entre ese orden visual y los significados de ese aprendizaje).

En el diálogo que entablamos mientras van haciendo sus sugerencias voy dando nombres de figuras y recursos cuando los describen más acabadamente y eso siempre genera nuevos hallazgos de otr@s compañer@s en el mismo sentido.

En una segunda clase, se enfrentan a esos apuntes para recordar a qué observaciones sobre el poema se referían (los apuntes no son lo mismo que la idea completa, sus ejemplos, ni el poema integrado), a veces esto en pequeños grupos. Esto hecho, les propongo del modo más clásico que cada uno piense de qué le habla el poema, aquí y ahora: es una decisión, no algo obvio; el poema podría hablar de muchas cosas pero yo no leo todas, no muchas al mismo tiempo, tampoco, honestamente. (Personalmente, como docente, estoy requetearchisuperpodrida de esa cantilena de que "un poema -cualquier texto literario- tiene múltiples, infinitas lecturas posibles", que "cada quien lo lee como quiere" y que después nadie lea nada, en resumidas cuentas. Hacer una lectura es un enorme trabajo, así que a eso nos dedicamos.) Compartimos esos temas en una ronda y van haciendo un listado que implica reconocer diferentes nombres para aproximadamente la misma idea, o hacer distinciones sutiles cuando nombrar de otro modo no da lo mismo.

Y entonces, elijo uno al azar y le pregunto: ¿qué le dice sobre ese tema, el que él/ella mencionó, el poema?, por ejemplo, ¿que la soledad qué? Y empieza a contestarme y por ahí se le suman otr@s, claro. Entonces, anoto esa proposicion en el pizarrón. El poema x plantea que "la soledad" (o... un sujeto, digamos) "es un vicio" (o... un predicado, ¿no?). "El poema x representa a la soledad como un vicio" es otra versión y hay muchas formas posibles de escribirlo. Jugamos a inventar unas cuantas hasta que la cuestión (de la escritura) queda clara. Sobre esta primera oración, empezamos tod@s a llenarla de preguntas, de cosas que habría que explicar para de dónde fue que se nos ocurrieron (a esta altura esta proposición es de tod@s, no solo de quien la propuso inicialmente). En realidad, lo que hacemos es poner signos de interrogación a las palabras claves de la proposición y debajo con diversos pronombres interrogativos vamos desarrollando preguntas sobre ellas. Después, a veces, tiramos líneas para asociar tipos de preguntas o para ordenarlas según cierta lógica. Entonces explico que las respuestas a esas preguntas pueden ir construyendo el contenido de nuestra exposición del análisis del poema. Y que todo el texto en definitiva defienderá esa idea original que es nuestra hipótesis de lectura.

Diversos caminos pueden seguirse de esto:

a) Escribimos colectivamente ese texto en el pizarrón (toma dos clases, al menos). Para eso suelo sugerir de tarea que cada uno/a responda algunas de las preguntas "parciales" planteadas. Cuando encaramos esta minuciosa tarea aparece casi siempre un momento muy interesante, uno que podría llamar -parafraseando a María José Bravo cuando propone "prestar la lectura"- un "prestar la escritura". No siempre, pero cuando sé que puedo efectivamente decirlo con una imagen que les va a gustar, que puedo sintetizar sorprendentemente lo que a ell@s se les enreda -si no va a hacer una gran diferencia, no lo hago ni ahí, ¿para qué molestarl@s?-, entonces, sí, pido permiso y borro y reescribo. En ese mismo momento o en una relectura de control, si ell@s no comentan nada (cosa rara, en general estallan en un "así no vale", o "yo no hubiera escrito nunca eso", etc.), les pregunto qué hay que ell@s no hubieran dicho así. Empezamos con esto un diálogo sobre lo que creemos que es correcto (generalmente lo complicado parece mejor dicho solo porque no se entiende, como si esta fuera una ¡maldita! -mal dicha- marca del saber); sobre permisos para explicar por medio de imágenes (otra forma de personalización de la escritura crítica, mucho más interesante y productiva que el "yo creo", "según mi opinión", que tratamos de evitar y sustituir por argumentos); sobre cosas que siempre les intrigan: el uso del punto y coma o de los dos puntos, la necesidad y la diversisdad de los conectores, entre otras.

b) Sobre la base de la misma tarea para el hogar, en pequeños grupos arman el texto ordenando las respuestas parciales y produciendo las que falten para dar coherencia al texto.

c) Alguna vez jugamos una suerte de cadáver exquisito pero de explicaciones: a cada "paso de la ronda", yo tiro una pregunta y ell@s reponden. Luego, el "disparate" resultante es motivo de una búsqueda de sentido (la proposición) que reordene en texto las ideas sobre el poema. (Esto es muy requetedifícil pero, más allá del resultado, se aprende sobre el orden de las ideas, sobre la búsqueda de coherencia en la escritura: que no alcanza con decir siempre todas cosas sobre el poema analizado, sino de construir sobre él una idea a lo largo de todo la exposición. Esta suele ser una pregunta motivadora: ¿qué idea querés dejar sobre el poema a través de tu texto?)

d) Sobre el modelo inicial de la proposición expuesta, cada uno vuelve individualmente o en duplas sobre el propio tema -o uno dicho por un compañero/ una compañera y que les interesae más que lo que ell@s habían pensado, también, ¿por qué no?) para elaborar una hipótesis personal; formular las preguntas a ella (para esto mejor que se ayuden entre compañer@s, por razones obvias: la necesidad de la presencia del otro que me lee y no me adivina); emprender la escritura del texto.

Esto último fue lo que hicimos este año, lo que está publicado sobre el poema "preguntas" de Juan Gelman, por acá cerca. (Por eso, Solana dice con Daniela , en un momento parcial de la tarea, que "lo evaluaron desde la obsesión" y destacan esta palabra, con la que se refieren su tema; y en el título del trabajo de Kevin, Matías y Laura está el cuestionamiento inicial.) Pero en el medio incorporé algo más: les llevé copias de un texto producido de resultas del mismo trabajo el año pasado sobre otro poema, uno que ell@s habían leído y comentado pero no analizado en profundidad (uno de e. e. cummings). Les di una cantidad de preguntas para analizar la construcción de este texto (qué diferencias y coincidencias encontraban entre las ideas que planteaba sobre el poema ese análisis y las que ell@s habían comentado en clase, qué orden temático seguía la exposición, qué características tenía el estilo en el que estaba escrito que ell@s creían tendrían que imitar en el suyo, si había algo que hubiera debido explicarse mejor para que se entendiera -hubo un interesante debate sobre el esfuerzo y la colaboración que debe poner el lector también en este trabajo). Recién después de esto se dedicaron a la escritura del propio texto.

Dos cosas importantes suelen ser motivo de interrupción de la tarea para el comentario o de observaciones y discusiones en el proceso de devolución para la reescritura: ¿qué es una conclusión? y ¿cómo se pone un título? Suelo dar para esto dos o tres indicaciones para comenzar a pensar el tema. Sobre la conclusión, que no es conveniente que sea la mención de un dato suelto que no se supo cómo relacionar con los demás: si algo no se sabe qué lugar ocupa en el propio razonamiento, entonces, caben dos opciones: si es muy interesante, se puede desarrollar hasta encontrar tal relación; si no lo es, mejor callarlo: no es necesario decir todo lo que a uno se le ocurrió. Esto hace aparecer en la charla la cuestión de que lo totalizante que aparece un análisis bien expuesto no tiene que ver tanto con que se haya dicho todo lo que había para decir sobre el poema (cosa imposible) sino con que lo que se diga esté todo "bien atadito", y justamente este "atado" es lo que permite la ilusión de que no hay más donde meter un bocadillo (y la fuerza argumentativa de la cosa). Sobre el título: con que no sea la descripción de la tarea escolar ("Análisis de tal poema de tal autor") ni la repetición del título del poema (¨´Preguntas"´de Juan Gelman), y con que se sientan autorizad@s a buscar el interés de sus lectores, ya hacen títulos muy buenos, por lo general.

¿Qué recuerdo?

"Preguntas" de Gelman es un poema que no puede ser escuchado, debe ser leído. Pero tampoco debe ser leído de cualquier forma, sino con atención y paciencia, no se debe sucumbir a la falta de puntuaciones y de control en la escritura, por supuesto, hecha a propósito por el autor. Es más, esta falta de puntuación y este ordenado desorden es lo que nos hace querer adentrarnos cada vez más en la lectura, lo que nos obliga a crear puntos y comas donde no hay, nos obliga a decidir dónde empezar y donde terminar para darle, no un significado grupal, sino un significado personal al poema. Porque solo de esta forma crearemos la pregunta para buscar la respuesta.

Este poema, reiteramos, no tiene puntos, ni siquiera punto final, tampoco empieza con mayúscula. Por eso uno en este poema ve recuerdos debido a que los recuerdos no podemos saber ni cuando empiezan, ni cuando terminan, ni tampoco por qué decidimos qué recordar y qué olvidar. Porque si uno solo recordara las cosas buena todos sabríamos por qué se recuerda algo pero lo malo también. Se recuerda lo humillante y lo grandioso, lo pobre y lo rico, recuerdos de felicidad absoluta y también de desgracia rebosante. Entonces ¿por qué? ¿Por qué una persona en su sano juicio querría recordar el día que la novia lo dejó? Es fácil: los recuerdos nos sirven para no olvidar porque si olvidamos tenemos que volver a empezar a recordar. Si navegamos con la vela del olvido nunca llegaremos a destino.

Aunque a su vez el recuerdo nos ayuda a olvidar, recordando lo bueno uno olvida lo malo que hubo antes. Me acuerdo de la medalla y no del cansancio de la carrera. Todos involuntariamente decidimos qué recordar y qué no. Aunque muchas veces queremos olvidar el recuerdo, es imposible olvidar lo que se necesita recordar.

Ahora ¿por qué en el poema no hay comas? También es sencillo, las comas no solo son una ayuda de escritura, la coma, muchas veces, es una ayuda sentimental, cuando uno quiere parar, no puede hacerlo en el medio de una oración, aunque quiera. No importa si ya su mente está desgarrada de tanto leer o si su vista está nublada por las lágrimas de una carta. ¡No se puede! Hay que esperar la coma, o el punto. Y el poema de Gelman no te deja parar, querés hacerlo, el poema te confunde, no estás acostumbrado, pero no podés, no hasta el final, que tampoco sabés si es el final. ¿Quién me dice que del otro lado de la hoja el poema no sigue y no podremos nunca descansar ni ordenarnos? Con los recuerdos es así, uno no puede parar de recordar aunque quiera, recuerda segundo a segundo todo el tiempo. Es imposible parar porque los recuerdos tampoco tienen comas. Es así como en el poema necesitamos seguir para poder parar en la vida.

Lau, Mati, Keko

A vuelta de correo

Y Solana Smulevich dijo:

"Como mañana creo que no voy a poder estar en tu clase te mando por acá lo que hicimos con Dani Fuks sobre el poema PREGUNTAS de Juan Gelman, que por cierto no lo había leído (había faltado) y me quedé fasinada con él ahora.

Lo leímos muchas veces y nos fuimos fijando entre las mil maneras que había de leerlo ya que no había puntuación, entonces lo interpretamos nosotras con la palabra OBSESIÓN.

Ya que navegas por mi sangre,

y conoces mis límites,

y me despiertas en la mitad del día

para acostarme en tu recuerdo,

y eres furia de mí paciencia para mí

dime

¿qué diablos hago? ¿por qué?

-te necesito-.

¿Quién eres?

muda, sola recorriéndome

razón de mi pasión, ¿por qué?

quiero llenarte

solamente de mí, y abarcarte

acabarte, mezclarme a tus huesitos y,

eres única.

Patria contra las bestias, el olvido.

Nos tomamos la libertad de ordenar los versos según nuestro criterio para resaltar los aspectos en los que estamos haciendo énfasis. En primer lugar, ya que lo evaluamos desde la OBSESION, usamos el encabalgamiento, y así alcanzamos el final de la oración en el verso siguiente, para dejar solas algunas palabras determinadas y, de esta forma, lograr que adopten mayor fuerza. Por ejemplo: "¿Qué diablos hago? ¿Por qué?/ -te necesito-."

Aquí, también, le agregamos signos de puntuación para remarcar nuestra lectura del poema.

Dejando solo el "te necesito" en un verso aparte, se genera un efecto de firmeza y brío mucho mayor que el que hubiese generado en caso de que los versos se dividieran de la siguiente forma "¿Qué diablos hago?/ ¿Porqué te necesito?"

En nuestra opinión, es claramente visible la obsesión del hombre por la mujer, la amada, aquella que no está y que desea más aún porque lo único que le proporciona es vacío y carencia que, por supuesto, se lleva a cabo luego de una previa unión. Es decir, tomar tomar tomar, y ceder violentamente, logrando que aquello que se cede desee ser tomado nuevamente.

El poema refleja el resultado de la eficaz histeria propia de la mujer, aquella que logra el acercamiento del hombre mediante su alejamiento.

reta traer arte

Pidieron un día en el que acordamos qué íbamos a conservar del año anterior, qué cambiábamos, qué dejábamos atrás: "¿podemos coordinar talleres entre nosotros, como hicieron el año pasado las practicantes del profesorado?".

El tema del año es el cambio, las rupturas, miradas en la lupa que son las vanguardias. Así que para entrar en tema, propuse que eligieran un objeto de interés muy personal, que se agruparan según esto, para revisar el propio saber de eso tan querido hasta encontrar la ruptura de las propias convicciones. Investigaron qué pasaba con los cambios allí, produjeron una hipótesis de lo que habían descubierto y querían compartir, y por fin, coordinaron unas actividades para presentar esa idea a sus compañerxs.

Y fue absolutamente increíble lo que produjeron: hablaron de fútbol en una suerte de conferencia con preguntas de lxs asistentes; de moda en un desfile inolvidable (fotos top secret hay, lo sé) resultado de un taller express de corte y confección histórica; de cine con personajes revividos que nos invitaron a preguntarnos nada más y nada menos que "¿qué película o director te cambió la forma de mirar cine?"; de la relación entre política y arte en un happening revulsivo hasta las lágrimas: ¿queremos darnos vuelta y mirar otra vez?; de música clásica y no tanto con pista incluida: ¿qué hay en el origen de la música, cuál es la música más antigua?, de rock nacional con videos y una que supimos casi todos; de fotografía, que incluyó la revisión de la propia relación del curso con su estudio de ella en la materia correspondiente; de pintura y poesía en taller, como corresponde.

Siguen algunas fotos (recomiendo ver como presentación) del taller coordinado por las que tuvieron la idea de todo esto: Mile (la de la idea, ¡diosa!), Georgie y Dana. Su hipótesis se inspiró en Da Vinci: "La pintura es poesía mucha; la poesía, pintura ciega". A partir de unas pinturas de cuatro tipos de vanguardias diferentes y las ideas/palabras que asociábamos, escribimos. A partir de poemas de autores de las vanguardias (lxs mismxs que ya sabían yo iba a ofrecer para hacer el tp final, ninguna puntada sin hilo), y con las características de los movimientos de la plástica correspondientes a los cuadros de la primera actividad, pintamos lo que el poema motivaba, según ese estilo pictórico. Las escrituras están en poder de sus autorxs, así que pueden publicarlas cuando quieran y contar cómo los hicieron.

Mi más profunda admiración: ¡"chapeau"! para todxs.

taller pintura

En círculos

Caminan en círculos a una prudente distancia

sin saber si es su propia voluntad la que los lleva

Caminan

círculos

con los pies descalzos sobre el cementerio.

Se pasan cautelosos

la caja.

Como dicen lo mismo, no se escuchan.

Como les falta lo mismo, no se miran.

Y si se mueren de amor o de odio da lo mismo

Porque los dos están igual de ciegos.

Los dos dispuestos

a olvidar

se preparan sobre la marcha.

Uno atrás del otro y el otro atrás del uno

y la caja

en el medio.

Se carcomen los sesos profetizando sobre las marcas que dejan atrás

Y las marcas a las que vuelven cuando completan los

círculos

nada más que ruinas en el tiempo.

Porque si no hay

tiempo, no hay

ruinas.

Caminan en círculo todos los hijos en sus madres en sus padres en sus nietos.

Siempre es la misma pesada

caja

atrás va quedando

la tormenta y ayer aparece otra.

Las pausas.

Por qué hay que pensar dos veces cuando te llevan a dar una vuelta.

Puede ser larga

como la caja.

Empezando a olvidar es tarea sencilla

Cuando logramos tener total noción del otro

entonces, recordar, no es

necesario.

Caminan siempre para el mismo lado

Cada vez más cerca de sus ejes.

Caminan nunca

paran

Caminan nunca

duermen

Caminan nunca

vuelven

Caminan

Caminan

círculos.

Cuando todos los custodios aprenden a esperar

el círculo se detiene.

Se cae la caja.

De la caja sale un niño.

Del niño sale una luna.

Y finalmente

se animan a

llorar.

No hago otra cosa que pensar en ti, por alabarte y para que se sepa...

Memorias de un librero, de Héctor Yánover

Una señora elegante me pide el Martín Fierro. Como siempre, saco todas las ediciones que tengo. Si no compra ninguna, por lo menos saldrá diciendo que allí las tienen todas. Comienza a pasar las hojas de una de ellas, la deja, toma otra, la vuelve a dejar, toma otra. Intrigado pregunto:

–¿Usted busca alguna en especial?

–Sí –me dice- para hacer un regalo.

Le indico las encuadernadas. Las mira y las deja.

–Son todos versos –me dice en tono de reproche-. Yo busco la novela.

Me enojo.

–Señora, ¿usted es argentina?

–Sí.

–¿Qué edad tiene, señora?

–Cuarenta y uno. ¿Por qué?

–Porque ningún argentino mayor de edad tiene derecho a ignorar que el Martín Fierro está escrito en verso.

–Pero ¡yo que tengo que ver! Si el que lee es mi marido.

Los diarios y las revistas suelen estar llenos de preguntas como esta: ¿por qué escribe usted? Las respuestas suelen ser más o menos parecidas: porque si no, me muero; para vivir; para ganar fama y tener dinero; porque quiero; nos sé; no puedo dejar de hacerlo. Las respuestas a ¿Por qué lee usted? Nos darían un similar espectro, pero visto del otro lado del arco: para saber, para aprender, para matar el tiempo, para lucirme en las fiestas, porque quiero, no sé.

–La vida es triste. Yo para leer quiero ¿vio? Algo divertido, alegre, algo… ¿cómo le diré? De esos que levantan el ánimo, que dejan algo.

Por supuesto que en cuanto yo le recomiende alguna novelas de ¿esas, vio?, muy divertidas, me arrojará el inevitable:

–¿De qué se trata?

A esta pregunta he respondido de muy distintas maneras a lo largo de los años. Por ejemplo:

Cuando eran épocas de vacas flacas y me moría de ganas de vender un libro, contestaba:

–Trata de una morfinómana que conoce a un pederasta y en medio de los horrores de la guerra se salvan el uno al otro gracias al amor.

Esto es: contaba el argumento.

Independientemente de la época que se tratase, cuando no estaba comprensivo con mis clientes:

–Si yo le digo que se trata de un viejo que enloquece y se emperra en ser el héroe de los libros que ha leído, se disfraza de caballero, se pone una escupidera en la cabeza y sale montado en un matungo flaco por las calles, usted me va a contestar que no le interesan las novelas de viejos locos. Sin embargo, de eso trata el Quijote.

En épocas de vacas gordas:

–Me niego a contar el argumento de las novelas.

En momento en que me siento un didacta:

–Las novelas no valen por los temas que abordan, sino por la capacidad del autor para crear un mundo verdadero en el que nos incluye durante trescientas páginas y del que quizá no salgamos nunca del todo.

Yánover, Héctor. Memorias de un librero. Buenos Aires: Eds. De la Flor – Ed. Mairena. 1986.

Desaforados II

Y Matías Lerer dijo:

Me pareció muy interesante el debate de la frase de Hamlet y se me ocurrió buscar nueva frases para debatir, no son de Hamlet pero sí es de literatura.

Un libro abierto es un cerebro que habla; cerrado un amigo que espera; olvidado, un alma que perdona; destruido, un corazón que llora.

Y ahora que la escribí querría dar mi opinión pero la verdad que es complicado. Abierto: transmite cosas como nadie es difícil encontrar una manera de expresarse como esta. Cerrado: espera que lo leas, una espera tranquila ya que es alguien que te da mucho pero nunca pide nada... sabe que será leído y espera ser entendido. Olvidado: a pesar de estar olvidado, sabe que su momento llegará y cuando lo necesites, él siempre estará allí, mientras tanto sabe que
dejará lugar a otros libros que ayudarán a que la próxima vez que el lector lea el olvidado la lectura habrá enriquecido y las cosas querrán decir mucho más que antes. Destruido: ya no podrá cumplir su objetivo, ya no queda nada por hacer. Como alguna vez en la dictadura en Argentina, ya no dirán nada, dejarán un vacío.

Matías Lerer

Y le respondieron:

Me gusto mucho esta frase que dió Matias, y me di cuenta que puedo relacionarlo con varias cosas, tanto del presente como del pasado: "un libro abierto es un cerebro que habla", me gustó mucho esa frase, porque me sirvio para darme cuenta lo que realmente implica leer un libro y no solamente tenerlo. No soy muy fanática de los libros pero al ponerme a pensar respecto a esta frase me di cuenta de que es como dice, los libros son cerebros, que transmiten y comunican sentimientos y realidades, son muy importantes para la existencia del ser humano, creo que sin los libros seriamos personas incivilizadas o quién sabe qué.
Y me vino la misma imagen que tuvo Matias, relacionarlo con la dictadura. "destruido, un corazón que llora": dejaron miles de corazones llorando, destruidos, sufridos, quisieron sacar y destruir a los cerebros de los libros, dejaron a la gente esperando que aparezcan los desaparecidos, esperando a amigos y familiares, olvidado un alma que perdona. Quieren que olvidemos lo que paso en la dictadura, pero esperemos que jamás pase, que no lo olvidemos, para no que no se vuelva a repetir, nunca más, que quede en nuestra alma, pero que no perdone.

Laura Moisesowicz

La frase es genial, transmite miles de cosas distintas a cada uno de nostros. Con lo que dice Laura que los libros son como personas estoy en desacuerdo; justamente, es lo que demuestra para mi la frase. Que los libros son amigos fieles, no como las personas que tienden a dejar de lado a los demas, olvidar, o simplemente no estar cuando uno los nesecita. En cambio, los libros siempre están para cuando uno los necesita: " un amigo que espera", alguien que siempre está disponible para el que quiera leerlo. Si uno se olvida de lo que leyó en un libro, a este no le importa, va a estar para que lo volvamos a leer de nuevo. Es por eso que pienso que relacionarlos con personas está mal.

Octavio Krause

Muy buena frase de ¿...?
Para mí un libro es principalmente un medio de transmisión por el cual el autor hace llegar al lector su obra. Sin duda esta frase es abstracta, se dirige hacia los sentimientos, lo cual permite ampliar su definición, ¿no? Lo de cerebro, yo lo tomaría como el del escritor, volcando sus ideas en el papel, y "... un amigo que espera" me recuerda el tema de perdurabilidad en el tiempo, la comparación de las nuevas tecnologías con lo convencional, de un texto publicado en Internet con la presencia de un libro, borrar un cuento, texto, novela etc. del monitor no se comprar con destruir o devastar un libro.
El libro escrito por un gran escritor fallecido o viejo demuestra los distintos pensamientos del ser humano pasados en diferentes épocas según su tipo de vida y ambiente. Existen manuscritos de todo tipo de miles de años, paredes talladas de más edad, libros contemporáneos y más. Pero cada uno de ellos es o no un reflejo de los pensamientos del creador.

¿Saben que un libro se considera como tal si contiene 49 o mas hojas? jajaja

Sebastián Fassanelli

Me parece muy interesante el debate sobre algunas frases, ya que muchas veces uno utiliza una frase sin saber exactamente lo que está diciendo. Además es interesante para poder observar distintos puntos de vista sobre la misma frase, por que capaz una palabra o una frase no significa lo mismo para mí que para otro o al revés.
Sobre esta frase en particular lo que yo veo es, capaz, algunas cosas en las que estoy de acuerdo con Matias pero otras en las que no, por ejemplo, cuando dice "cerrado, un amigo que espera", por que capaz al estar cerrado, esperando por mucho tiempo, se puede llegar a la destruccion total de este libro. Aunque esperemos que esto no ocurra, ya que en nuestros país vimos que la destrucción es muy mala y nos cierra mucho la cabeza, ya que en vez de dejarnos elegir, se destruye a lo que supuestamente está mal y se deja una sola opción. Así que esperemos no llegar a tener que hablar sobre destrucción. Pero para esto necesitamos poder abrir nuestras mentes, abriendo los libros y debatiendo sobre ellos como acá lo hacemos, en este caso con las frases. Esperemos seguir encontrando frases para poder seguir debatiendo sobre estas ya que lo veo muy interesante e importante.

Ivan Ullman

"Un libro abierto es un cerebro que habla": yo lo interpreto como la capacidad inconsciente que tiene uno al expresar sus pensamientos o sentimientos que al manifestarse sin límites delata las intenciones del autor que lo haya escrito. "Cerrado, un amigo que espera": esto siento que transmite algo de la incondicionalidad que siempre está presente, en caso de que uno quiera recurrir a él, que él siempre está, él no presiona ni exige sino que solamente BRINDA. "Olvidado, un alma que perdona": para mí, para perdonar es IMPRESCINDIBLE OLVIDAR o al menos simular hacerlo, porque al fin y al cabo, el perdón implica el paso al porvenir, como
eliminando el pasado, lo vivido. "Destruido, un corazón que llora": el llanto es más que una exhibición que es el atajo directo a la verdad, esquivando a cualquier filtro o disfraz para el sentir.

Solana Smulevich

Desaforados

Alan Linemberg escribió

Esta es una frase que le dice Polonio a Laertes, cuyo significado metafórico no comprendo: "Presta a todos tus oídos, pero a pocos tu voz"

Matías Celasco respondió:

Alan esta frase para mi gusto significa que tenés que prestar mucho tus oídos, es decir, escuchar lo que te dicen los demás atentamente, y no prestar tu voz, o prestarla a pocos siempre y cuando sepas qué decir, y lo hayas pensando anteriormente sabiendo que esto no va a influir en otras personas. Hay mucha gente que por participar, o cualquier otra cosa, no presta sus oídos pero habla mucho.

PD: Es mejor que piensen que sos un "boludo" antes que abrir la boca y que lo comprueben.

JAJAJAJAAJ UN POCO DE HUMOR AL BLOGG KISSEES

Martín Aznar respondió:

Matías el turro Celasco : Yo no concuerdo con tu respuesta. Para mí, lo que quiere decir Polonio con esta frase es que acepta consejos de todos lados así tenés diferentes opiniones y así (podés) guiarte en la vida pero no le des una opinion a un enemigo, nada más a quien te conviene o a "Amigos"

Con mucho amor y cariño, Martin ..

Martín Aznar

Y Matías Celasco insistió:

Martín, concuerdo bastate con tu "correcion", sobre todo en la parte en la que te referis a escuchar a los demás, y así guiarte en la vida, pero no comparto la parte de solo dar opiniones a amigos, para mí lo que quiere decir Polonio es que no diga frases al aire, que piense lo que va a decir o hablar y analice lo que va a realizar... no
habla de no dar consejos o sí darlos sino de lo que hablé anteriormente en mi posteo anterior...

kisseesssss jaj

Matías Velasco

Y Matías (hay muchos en el curso) Lerer se sumó:

Alan sinceramente no se si sos Alan Linenberg o quién sos pero me gustaría darte mi opinión de la frase. Es en realidad "presta tus oídos a todos pero tu voz a muy pocos". Yo creo que lo que quiere decir esta frase es que hay que saber apoyar e intentar entender a las personas, debés estar junto a los que te nesecitan, brindarle un hombro o un oido, pero a la hora de aconsejar no hay que ser ignorante hay que saber entender y solo hablar cuando se sabe y no cuando es preciso porque, como otra frase dice,

UN SILENCIO VALE MAS QUE MIL PALABRAS

Saludos Matias Lerer

Y Pablo aportó:

Alan, yo a esta frase la prodría tomar desde otro punto de vista: todos pueden decirte lo que piensan, dar sus opniones, y tratar de que cambies de opinión sobre determinadas cuestiones... pero a uno no le van a sacar su voz, que es con lo que tiene uno que expresarse. De ahí sacaron los mayores próceres el poder de la gente, con su voz (hasta las personas más siniestras se ganaron el apoyo de la gente con su simple voz).

LA VOZ DE UNO ES ALGO QUE NO SE LA VAN A QUITAR NUNCA, NI EN MALOS, NI EN BUENOS MOMENTOS QUE UNO PASE.

Acepto respuestas.

Pablito

Fierro Power

Él, contra todos.

Fue importante para mí ver, en el TMGSM, la puesta de Sergio Renán de Un enemigo del pueblo, de Henrik Ibsen, porque me dejó reflexionando sobre ciertos temas. Es imposible no movilizarse junto al Doctor Stockmann cuando hace su denuncia sobre la corrupción del poder y la manipulación del periódico.

Una frase que me llegó y que pienso repetirme es: “La mayoría tiene la fuerza, pero no tiene la razón”. No siempre las mayorías deciden correctamente, no por ser mayoría tienen la razón.
Es fácil comprobarlo cuando hay elecciones, muchas veces se ha elegido un presidente por mayoría y luego se ha comprobado que no se había elegido la mejor opción.

También son un buen ejemplo las encuestas anteriores a una elección. Creo que son engañosas porque manifiestan la opinión pública y mucha gente, la que no tiene una convicción política o un voto decidido, se deja llevar por lo que la mayoría va a votar. El enemigo más peligroso de la razón y de la libertad es la opinión de la mayoría.

Muchas veces, en los grupos, los individuos no se animan a defender su postura o su idea por vergüenza de ser visto como uno distinto y se dejan llevar por la mayoría, abandonan sus propias ideas. En mi caso personal, a veces he tenido que enfrentar a mi familia, dejando aparte los afectos, sobre cuestiones en las que yo no pensaba igual que ellos y, aunque sé que pensaban que yo siempre iba en contra de los suyos, me mantuve